Teatro

en toda España

Triunfar en el teatro no es fácil. Esta es la realidad a la que se enfrentan muchos de los artistas que comienzan su andadura por esta disciplina tan vocacional. ¿Cuántas ideas ingeniosas se habrán vetado por no pertenecer a un nombre y rostro conocidos? Hemos hablado con algunos de estos jóvenes talentos que están consiguiendo llevar sus propuestas a diversas salas de la capital. ¡Acompáñanos a descubrir las posibilidades de estos jóvenes y su potencial para conseguir lo increíble!

IKER AZKOITIA

Es un joven creador multidisciplinar al que le gusta jugar con sus facetas de actor, músico y cineasta para contar historias. Ha protagonizado diversos microteatros, montajes teatrales y cortometrajes, además de diversos trabajos como productor, guionista y director con los que ha obtenido numerosos premios. A finales del 2014 surge la idea de Una corona para Claudia, mientras actuaba para Microteatro Por Dinero. Al observar la representación teatral que realizaban unos compañeros, uno de los personajes femeninos logra entusiasmarle de tal forma que Claudia comienza a cobrar vida en su cabeza. Desde el primer momento tuvo muy claro las circunstancias personales y la actitud ante la vida de su personaje principal.

La obra se estrena en el Certamen de Arte4 - Estudio de Actores, donde consigue alzarse con los premios a mejor montaje, mejor libreto y mejor actriz. El jurado destacó lo redonda que era la obra y la eficacia de las canciones, además de la cercanía y verdad con las que el equipo trabajaba en escena. Desde entonces, todo han sido éxitos; pasaron de representar en la Sala Nada la primera temporada a retomar la segunda en el Teatro Alfil y el 4 de marzo regresan con la tercera temporada en el Teatro Lara de Madrid. Iker nos cuenta que se planteó la creación de un "antimusical" debido a la escasez de recursos. Desde los inicios de esta idea, el objetivo ha sido lograr una experiencia significativa para el espectador más allá del entretenimiento.

Actualmente compagina el regreso de su obra con otros proyectos como la obra teatral Píntame de David Ramiro Rueda, en la que participa como actor. También está inmerso en una nueva creación junto a Lluís Mosquera, un musical protagonizado por una actriz sorda, Ángela Ibáñez. Ambos han llevado a cabo una búsqueda de perfiles multidisciplinares y muy dispares con los que están a punto de empezar un laboratorio creativo; sin duda promete.

DAVID RAMIRO RUEDA

Con devoción por la escritura y la lectura, ya de niño logra ganar algún certamen de cuentos en su ciudad natal, también ha intervenido como director y guionista en diversos cortometrajes. En 2011 presenta su primera novela de intriga, Sombras en la Luna, la cual en poco más de un año alcanza su 3ª edición. Con sección propia en FirstMagazine y participante activo en la sección de teatro de la revista VIM Magazine, en 2014 decide introducirse en la dirección de teatro con sus obras Píntame y La Cicatriz.

Píntame fue su primera creación para teatro, con la que se embarcó en el mundo de la dirección. Lo que David pretendía con esta obra era plasmar tres filosofías de vida muy distintas en las que ninguna es mejor que la anterior y lo sano que puede resultar la mezcla entre ellas. Por otro lado, con La Cicatriz, la idea era mostrar el drama desde un lugar muy íntimo y abordar la soledad en su estado más extremo e incómodo. Por mucha conexión que tengamos a través de Internet con cientos de personas, la sensación de soledad sigue estando ahí, comenta David.

Las críticas positivas resultaron abrumadoras en ambos proyectos, ninguno de los dos equipos se imaginaba que lograrían remover tanto al espectador. Este ingenioso escritor sin demasiadas pretensiones, admite que su objetivo principal es disfrutar de todo lo que hace, apasionarse con las historias que se cuentan en el escenario, que los actores sientan suyas esas historias, y que los que forman el proyecto cuenten con ganas los días que quedan para la próxima función. A partir del 16 de marzo podréis ver la sexta temporada de su obra Píntame en el Teatro Lara de Madrid.

PROYECTO AD LIBITUM

Alejandro Matrán funda en 2011 este proyecto, dónde ha producido eventos musicales, teatro y ópera. Además de su faceta en el ámbito de la dirección teatral, cuenta con diversos proyectos como actor, entre los que destacan destacan RED o Conciencia de Trapo.

Junto a Carlos Álvarez, actual estudiante de guión y compañero de Alejandro en el proyecto, se propusieron componer un musical propio en el que Carlos se encargaría del texto y Alejandro de la música, llegando a la conclusión de que querían contar de alguna manera todo lo que les había ocurrido en ese tiempo; asi surgió su ópera prima.

Morrígan está inspirado en personas que han pasado por el Proyecto Ad Libitum desde los inicios. Se trata de un musical folk en el que no solamente se tienen en cuenta las opiniones de los creadores: cada uno de los miembros del equipo está presente en la obra. Tal y como nos cuenta Alejandro, se hicieron ejercicios de diferentes técnicas actorales para encontrar los matices de cada personaje que más tarde se incluirían en el texto. El primer ensayo general abierto al público, en julio de 2016, recibió críticas bastante positivas a pesar de que faltaban algunos detalles por pulir que se han ido trabajando y mejorando hasta conseguir lo que buscaban. En enero de 2017 se estrenaron en la Sala Nueve Norte y desde entonces no han parado de cosechar éxitos hasta el punto de prorrogar la obra todo el mes de marzo en la Sala Nueve Norte en Madrid.

Actualmente, el Proyecto Ad Libitum se encuentra inmerso en el musical, pero no descartan futuros proyectos ya que tanto Alejandro como Carlos se plantean como próximo objetivo la creación de una obra que quede latente en el público con un mensaje que nos haga reflexionar. Estos jóvenes llegan con gran fuerza dispuestos a sorprender al espectador.

LA JOVEN COMPAÑÍA

En líneas más generales y con un proyecto conjunto en el que se ven involucrados un gran número de jóvenes artistas, se encuentra La Joven Compañía, en la que no se plantea la simple representación sino que engloba un teatro hecho exclusivamente por y para jóvenes. Esta compañía, creada por David R. Peralto y José Luis Arellano, surge en el verano del 2012 con el objetivo de contribuir a la creación de futuros profesionales en el mundo del arte, fomentando la investigación dramática. Actualmente, el grupo lo forman más de una treintena de jóvenes con edades comprendidas entre los 18 y los 26 años, dirigidos por grandes profesionales del teatro.

Representan más de cien funciones cada año en Madrid, además de realizar diversas giras nacionales a lo largo de todo el territorio español. Reconocidos con el premio El Ojo Crítico de Teatro en 2014, han destacado con gran éxito con producciones como Invasión de Guillem Clua (2012), El señor de las moscas de William Golding (2013 o Punk Rock de Simon Stevens (2014), entre otras.

Cabe destacar su proyecto educativo a través de la asociación Jóvenes al Teatro, una plataforma de ámbito nacional que consigue unir a apasionados del teatro, docentes y profesionales. Su principal objetivo es lograr que los más jóvenes se interesen por la cultura, a través de historias que les interesen y emocionen. Además, promocionan y apoyan las carreras de jóvenes artistas, que cuentan con el apoyo de grandes profesionales del medio como Gerardo Vera, Ariadna Gil, Josep Maria Mestres, Terele Pávez y Teresa Lozano. Sin duda un proyecto que apuesta por el teatro del futuro.

Para muchos actores, el teatro de calle es uno de los mayores retos a los que tendrán que enfrentarse en toda su carrera, pero merece la pena. La apuesta por este tipo de teatro es sinónimo de cercanía con el público. Al saltar de los escenarios a las calles de la ciudad los actores pueden interactuar, ver la respuesta del espectador e, incluso, tocar al público. La esencia de este fenómeno, cada vez más habitual, es tratar de conquistar a un público tan heterogéneo que los actores tienen que utilizar toda su originalidad para poder engancharlos a todos.

El teatro de calle es una invitación para cualquier persona pueda disfrutar de un espectáculo de calidad, normalmente muy poco convencional, y desgraciadamente infravalorado en muchos casos. Los verdaderos amantes del teatro de calle sabe que las posibilidades que te da salir al aire libre son inmensamente mayores que las de un recinto cerrado. La imposibilidad de controlar el sonido, la escena e, incluso, los propios movimientos hace que el teatro de calle evoque a los orígenes de un expresión artística que llenaba de color y de magia las plazas y calles de ciudades y pueblos.

La máxima manifestación de la apuesta por este tipo de espectáculo es el Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid, más conocido como TAC. Cada año, la capital de Castilla y León saca a la calle lo mejor de las artes escénicas en nuestro país, haciéndoles saltar de sus espacios habituales a las calles de esta histórica ciudad.

Esta decimoctava edición no podría ser menos y, del 20 al 28 de mayo, Valladolid se convertirá en la Ciudad del teatro con nuevos espacios y muchas más compañías que en años anteriores. La obra Paysages Inériers, de la compañía de Philippe Gentry, será la encargada de inaugurar el festival. No te pierdas la programación completa del TAC de Valladolid.

Los orígenes de esta alternativa teatral, en auge en nuestros días, se remontan mucho más atrás en el tiempo de lo que te puedas imaginar. Durante un largo periodo de oscuridad cultural en Europa todas las manifestaciones teatrales fueron eliminadas de la vida pública. No fue hasta la Edad Media cuando la iglesia optó por usar el teatro como herramienta para que sus fieles fueran partícipes de las historias sagradas. Estos actos, mayoritariamente desarrollados dentro de las iglesias, hicieron que se volviera a poner en funcionamiento es espíritu teatral. A partir de ese momento las nuevas manifestaciones teatrales, que no se centraban en los pasajes de la Biblia, tomaron las calle y poco a poco obtuvieron la importancia que se merecían.

Al final, lo que permanece es la inteligencia... y el sentido del humor! Por lo menos cuando hablamos de perpetuarse en cartelera. En una realidad teatral activa y dinámica como es la nuestra, sólo sobreviven aquellas obras que nunca pierden su frescura y son capaces de atraer al público una y otra vez a su patio de butacas. Aunque es difícil de alcanzar el récord de Eduardo Aldán con Espinete no Existe (que acumula la friolera de 10 temporadas de éxito), hay muchas obras que se siguen programando año tras año. Hoy te traemos aquellas que no puedes perderte.

Improshow

Cuando una obra se reinventa cada noche es fácil que se convierta en la reina de la permanencia en cartelera. La compañía Planeta Impro lleva más de 13 años en activo, y ostenta el título de ser la responsable del fenómeno impro en nuestro país. Su obra Improshow acumula hasta 1.000.000 de espectadores, y ha convertido a sus actores (José L. Adserías, Angel Galán, Mai Boncompte, Quim Andrés y Nuria Espinosa) en estrellas residentes del Teatreneu desde el año 2004. También puedes verles actuando en Improfighters.

Todo comienza como una celebración, y termina como una amarga discusión que ironiza sobre esos problemas familiares que se han barrido debajo de la alfombra. El desencadenante es una sola pregunta: "¿Cómo va a llamarse el bebé?". El Nombre, de Mathieu Delaporte y Alexandre de la Patiere, huye de la comedia fácil con un lenguaje mordaz e inteligente. Estrenada en París en 2010, llegó a Barcelona tres años después y desde entonces no ha parado de sumar público, premios y éxito. Le Prénom supone un fenómeno en toda Europa. Amparo Larrañaga, Jorge Bosch, Antonio Molero, César Camino y Kira Miró la representan actualmente en el Teatro Cofidís Alcázar de Madrid de miércoles a domingo. No te la pierdas, tú también te sentirás identificado.

Cinco temporadas de éxito en el Teatro Fígaro acumula ya esta obra de dramas y enredos al más puro estilo dramedia. Los Miércoles no Existen, de ProducciONes OFF, lleva varios años mostrándonos la vida de seis personajes encerrados en su propia rutina emocional y sentimental. Todos ellos, de entre 30 y 40 años, están a punto de romper con lo que conocían hasta ahora, y lo hacen compartiendo una colección de momentos íntimos por los que todos hemos pasado o vamos a pasar en algún momento. Disfruta de este puzzle de historias cercanas e inconexas hasta el 27 de marzo de 2016.

Nunca un trastorno obsesivo compulsivo había hecho reír a tanta gente, y es que la obra Toc Tocacumula nada menos que siete temporadas de éxito a sus espaldas. Disfruta de la sala de espera de uno de los mejores doctores de la ciudad, una antesala con seis pacientes que no paran de conversar. Manías, fascinación descontrolada por el orden, coprolaloia y otras excentricidades se confabulan para dar forma a una obra en la que no podrás parar de reír. Un millón de personas ya han visto a Ana Trinidad, Ana Frau, Esteve Ferrer, Paco Obregón, Ana Burrel, Óscar Ramos, Sara Moros y Laura Hernando interpretar los papeles más obsesivos de su carrera. Puedes ver Toc Toc de martes a domingo en el Teatro Príncipe de la Gran Vía.

La guerra de sexos existe desde los albores de la humanidad, y el debate parece que va a seguir para largo. Nos lo confirma el éxito de El Cavernícola , que lleva siete años en la cartelera del Teatro Fígaro Adolfo Marsillach con Nancho Novo al frente. 'Los hombres somos gilipollas' es la entradilla perfecta para la versión española de una comedia que ya han visto 8.000.000 de espectadores en todo el mundo y que ha sido traducida a 15 idiomas distintos. Una reflexión de hora y media donde la sensibilidad masculina, el feminismo contemporáneo o las zonas erógenas serán los protagonistas. Si ya la has visto, puedes sorprenderte con su versión para féminas: La Cavernícola, con Yolanda Ramos como genial intérprete en el Teatro de la Luz Philips Gran Vía.

La llamada sólo lleva tres años en cartel pero ya ha acumulado más de 150.000 espectadores. Comenzó representándose en la Sala OFF del Teatro Lara, pero pronto se convirtió en protagonista de su escenario principal. Claudia Traisac, Gracia Olayo, Belén Cuesta, Anna Castillo, Angy Fernández, Susana Abaitua, Olalla Hernández y Richard Collins-Moore dan vida a un campamento cristiano en el que una de las chicas (cantante de un grupo latino y obligada a asistir a las convivencias) recibe la llamada de Dios de una manera poco habitual: a través de la música de Withney Houston. Una comedia musical que sin duda te sorprendrá. Puedes verla de viernes a domingo desde sólo 7 euros.

El Rey León no es la obra más longeva de nuestra cartelera, pero sí la más vista, la más deseada y la que más marca a los espectadores. Y, a juzgar por su éxito, tiene todas las papeletas para continuar bastantes años ocupando este primer puesto. Con 19 años de historia a sus espaldas, el musical de El Rey León llegaba al Lope de Vega el pasado 2011. El teatro fue sometido a una profunda remodelación, pero ha merecido la pena: dos millones de espectadores ya han pasado por su sala en tan sólo cinco años.