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Las guerras de nuestros antepasados. Delibes hace pleno.

Hay algo especial en las novelas de Delibes que hace cosechar tanto éxito en los clubs de lectura, los colegios e institutos, la gran pantalla y hasta el escenario. Un qué sé yo que se une al talento natural del escritor artesano de palabras, fonemas e historias y que consigue ganarse al público y cubrirse de aplausos.

Estrenada el 25 de enero en el Teatro Bellas Artes, “Las guerras de nuestros antepasados” cuenta la historia de Pacífico Pérez, un recluso condenado por homicidio, al que a un psicólogo de la prisión le cuenta su vida, sus sentimientos y su pasado. A través de un extenso diálogo que le otorga un gran dinamismo a la obra, el espectador se adentra en la psique de Pacífico y en la relación con su padre, su abuelo y su bisabuelo. 

En contraste con la firmeza y la crueldad de estos hombres, Pacífico es un hombre cándido, de una sensibilidad casi enfermiza, que no busca librar ninguna batalla – ni siquiera la de su propia existencia – y que lejos de imponer sus propias normas, vive de acuerdo con sus propios valores y sus convicciones morales en una estabilidad pasmosa que no casa con la tradición familiar. 

Si Delibes es indiscutiblemente un factor destinado al éxito (lo hemos visto triunfando en escenarios de toda España con obras como “Señora de rojo sobre fondo gris”, “Cinco horas con Mario”, “Los Santos Inocentes” o “La hora roja”), el talento, la habilidad y el trabajo de fondo que hay detrás de la interpretación de Carmelo Gómez hace que el público quede prendado. Sin duda, estamos ante una de las mejores actuaciones teatrales de esta temporada. Y es que Pacífico es un personaje complicado de interpretar por su condición de enfermo, víctima de unos altibajos emocionales fuertes, que pasa de la pena a la más pura felicidad, de la ternura al llanto y de la melancolía propia del pasado a la esperanza que nos trae el futuro, aunque Pacífico tenga más de lo uno que de lo otro. También hay que añadir que el texto es complicadísimo de defender a causa de los vaivenes temporales del personaje al contarnos su propia historia, las frases que se entrecortan, las ideas que quedan suspendidas en el aire sin llegar a matizarse y el estar interrumpiendo constantemente su monólogo por las toses, las dificultades respiratorias y la angustia vital que siente y padece.

Carmelo Gómez, dotado de un talento inmensurable, nos presenta un personaje de una sensibilidad exquisita y una historia con mucho trasfondo y mucha filosofía. Actor, texto y personaje son una misma cosa.

La novela, publicada en 1975, no pudo escoger mejor momento para dar el salto a las librerías: la Transición. Como un libro bisagra, supone la perfecta frontera entre el viejo mundo y el que estaba por llegar. Sin embargo, la naturaleza humana siempre se abre camino. En un contexto como el actual con guerras presentes en Afganistán, Ucrania, Etiopía, Yemen, Israel y Palestina, la crispación política que atraviesa nuestro país, las guerras comerciales entre EE. UU. y China, los asesinatos y las protestas civiles en Perú o Brasil y la ocupación del Tíbet, esta obra toma un cariz especial, siendo su mensaje más necesario que nunca.

A lo largo de la obra, se nos presenta una sociedad enfrentada y violenta que necesita de las guerras de cualquier índole para poder vivir, como si de la guerra naciera un impulso vital tremendamente necesario para nuestra propia existencia.

El padre, el abuelo y el bisabuelo de Pacífico, marcados por la Guerra Civil, la de Marruecos y la última de las contiendas carlistas, respectivamente, no pueden concebir que el muchacho no tenga una guerra que librar y que nunca llega. La obsesión hecha diálogo: “Tu guerra debe estar al caer, Pacífico”. Surgen los cuestionamientos, las señalaciones y Esa Palabra: ¿Pacífico es maricón? ¿Es Pacífico un hombre realmente?  ¿Está sano mentalmente? ¿Qué le ocurre a este muchacho que detesta las guerras y la crueldad? 

Pacífico cae bien. Pacífico cae de puta madre. “Cada hombre tiene su guerra, lo mismo que tiene una mujer”, a tal conclusión llega el ingenuo Pacífico Pérez quien al final, sin comerlo ni beberlo, ajeno a una sociedad en la que no ha sabido ni querido integrarse, morirá aplastado por quienes dictan las normas y recorren los recovecos del sistema para su propio beneficio. Hecha la ley, hecha la trampa, que diría el refranero popular. Como nos pasa a muchos, desgraciadamente – añado yo –, porque… ¿Cuántos Pacíficos ha podido haber en la Historia de la Humanidad? ¿Cuántas personas deben regirse por unos convencionalismos sociales implantados con los que no concuerda? ¿Están marcados todos los Pacíficos por el mismo sino? 

Esta versión realizada por el prestigioso dramaturgo Eduardo Galán, que ha contado con el apoyo de Carmelo Gómez, natural de León, para adaptar la manera de hablar y hacerla más real, se erige bajo la batuta de Claudio Tolcachir, director de teatro argentino con una trayectoria envidiable tanto en Argentina como en el extranjero. Todo un equipo cohesionado que funciona a la perfección formado por Miguel Delibes, Claudio Tolcachir, Eduardo Galán, Jesús Cimarro, Carmelo Gómez y Miguel Hermoso. 

Una obra que sobresale por la maestría de la interpretación y el debate posterior que surge sobre la justicia, la moralidad y la ética, las nuevas masculinidades, la importancia de marcar la diferencia, el placer de vivir según nuestras normas y la necesidad de, en ciertas ocasiones, plantar un pie y defenderse.

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Señora de rojo sobre fondo gris: la historia de amor más puro

El gol de Iniesta. Aquel “Pedrooooo” de Penélope Cruz en la gala de los Óscar del 2000. El pendiente perdido de La Faraona o ese “yo he venido a hablar de mi libro” espetado por Francisco Umbral.

Son hitos que forman parte de la memoria de los españoles; como si estos momentos recogieran de algún modo lo que somos, nuestra esencia. A esa lista, yo también añado la voz de Pepe Sacristán. Porque él lo vale.

Parece que las novelas de Miguel Delibes estaban hechas para ser representadas en el teatro. Y triunfar, por supuesto. Ya lo vimos en su momento con Lola Herrera y sus “Cinco horas con Mario” – porque son sus cinco horas con Mario – que ha interpretado desde 1979 hasta 2022. También se han llevado al teatro otras novelas como “La hoja roja” o “Las guerras de nuestros antepasados”, que se estrenará en el Bellas Artes en febrero de 2023. En “Señora de rojo sobre fondo gris” también se recoge la muerte, la soledad, la memoria sentimental, el paso del tiempo, las cosas que se quedaron por decir a quien ya no está y el amor como el sentimiento más puro. El texto nace como un recuerdo y un homenaje póstumo a la mujer del escritor que Sacristán sabe reconocer, valorar y engrandecer. No en vano, el propio Sacristán fue amigo del escritor y éste le concedió los derechos para versionar la obra. Al final del monólogo, tras los aplausos correspondientes totalmente merecidos, cae un solemne “en honor de Ángeles de Castro, puesto que, sin ella, sin su aliento, sin sus ánimos, no conoceríamos muchas de las obras de Delibes”.

Tal y como comentó el escritor en su momento, aquella mujer sensacional fallecida de un tumor cerebral a los 51 años y que, con su sola presencia, aligeraba la pesadumbre de vivir, fue su mitad. 

Estamos en 1975, Nicolás es un pintor prestigioso en plena crisis creativa. Consumido por la tristeza y el estrés por la incapacidad de pintar y de que acudan los ángeles (las musas), evoca recuerdos tristes de su vida. Por un lado, la detención de su hija y su yerno por motivos políticos. Por otro lado, la enfermedad y la muerte de su mujer, Ana, que le hace abandonar la pintura, descomponerse y preguntarse cómo va a vivir a partir de ahora. ¿Cómo se combate la soledad, la pesadumbre, el abandono?

Es curioso cómo un solo actor abarca el escenario por completo y lo llena. No resulta difícil de creer tratándose de un actor que arranca desde la pasión y ha sabido escoger su trabajo en base a la auténtica vocación. ¿Qué diría aquel niño que venía de la tierra de los ajos si se viera a sí mismo ahora sentado desde una butaca? Al trabajar con pasión y desde el buen hacer, se nota que el texto es completamente suyo: las pausas para rellenarse la copa, las miradas al vacío, la modulación de la voz en según qué momentos… Es tan impresionante el talento de este hombre que hasta los silencios los llena, creando en el espectador un cierto desasosiego en compenetración con el ambiente de la obra.

En “Señora de rojo sobre fondo gris” nos encontramos un escenario lúgubre, deshabitado y descuidado. La buhardilla le sirve como refugio para evadirse de sus pesares, si no los llevara dentro y a cuestas. Hay cuadros sin terminar porque los ángeles no acuden – ¿es posible que estén ocupados acunando a alguien? –, el polvo se acumula, las botellas de licor parecen más vacías cada vez y aquella chaise longue de estilo victoriano hace mucho que no siente a dos amantes cobijarse en su tela. Y en el medio de aquel escenario, un hombre solitario con mirada lánguida nos narra sus miedos.

No es de extrañar que el Teatro Bellas Artes cuelgue a menudo el cartel de “todo vendido” o sold out, salvo que ahora se cuelga en sus redes sociales. Tiempos modernos, supongo, aunque con la esencia de siempre.

Eso sí, a los espectadores les aconsejo apagar los móviles completamente, evitar los excesos de tos y levantarse para aplaudir en cuanto acabe la obra. Ahora sólo queda preguntarse quién será el guapo que se atreva a rescatar este texto en un futuro (esperemos que muy lejano) y competir con semejante actor; la sombra de Sacristán es alargada.

 

Y como conclusión que me atrevo a compartir, diré que la obra supone un alegato a favor del arte, que siempre queda, como una forma exquisita de alcanzar la inmortalidad. Así pues, tanto la novela, como la obra como el retrato de Eduardo García Benito realizado en 1962 nos presentan la historia de amor y duelo de Miguel Delibes y Ángeles de Castro, uniéndoles no sólo a través del amor, también a través del arte y la cultura por toda la eternidad.

Quizás su amor, como tantos otros, también forme parte de la memoria sentimental de este país.

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A Chorus Line, el musical que cuenta la historia de los de Broadway

Las personas acostumbramos a hacer fila para todo. Fila en el patio del colegio, fila en la compra, en el banco, en las urgencias del hospital, en las oficinas de administración. No es raro ni inusual para nosotros colocarnos en posición, expectantes, aunque muchas veces ya sepamos lo que viene después. Los artistas, los bailarines, los cantantes, los talentosos, y muchas veces los incomprendidos, forman su fila en Broadway e, inevitablemente, también saben lo que ocurrirá: ¡Gracias, ya te llamaremos! Y rumbo al próximo casting. 

En un mundo donde parecen tener cabida solo los mejores, A Chorus Line cuenta la historia de unos soñadores, resilientes y valientes que parecen resumir su vida en ir audición tras audición, derrota tras derrota, o éxito tras éxito agridulce. Nada más lejos de la realidad. Lo que parece ser una prueba más en la que demostrar sus virtudes artísticas y volver a casa con la frustrante sensación de no conseguir aquello que se desea, se convierte en un recorrido por los miedos, las experiencias, la infancia, adolescencia y madurez de unos personajes que parecen tener mucho que contar… ¿Cuál es tu historia?

El flamante musical de Michael Benett, James Kirkwood y Nicholas Dante, bajo la producción de Antonio Banderas, se propone hacer historia. Y lo consigue. Habrá quienes se pregunten por la trama, la trama, señores, es la vida. Nuestras experiencias más dolorosas, nuestros sueños incumplidos, ambiciones, crecimientos y procesos. Una historia que parece no contar nada pero que lo cuenta todo, que no necesita historias enrevesadas de planteamiento, nudo y desenlace, que es por sí misma, que muestra, que retrata, que relata, que canta los pretextos de unos pocos y lo que hay detrás de muchos. 

En A Chorus Line no se trata de destacar. Puede que no tenga un número estrella como sí lo tienen otros musicales, ni un personaje que brille con más luz que el resto, ni una historia que conmueva más que la otra. Y eso es lo que pretende. La vida no solo es lo grandioso, lo espectacular, lo que brilla, lo complejo o lo complicado. La vida es. Y punto.  Es vulnerable, son nuestros miedos nuestros éxitos, derrotas y victorias. Es lo que solo es nuestro. Es de estos personajes. 

En cuanto al reparto, no se puede sino hacer mención a todos aquellos artistas que forman parte del show. Angie Alcázar, Tomy Álvarez, Lucía Castro, Alex Chavarri, Javier Cid, Aaron Cobos, Anna Coll, Fran Del Pino, Daniel Délyon, Sonia Dorado, Roberto Facchin, Daniel Garod, Bealia Guerra, Pep Guillém, Cassandra Hlong, Ariel Juin, Flor Lopardo, Joan López-Santos, Juan José Marco, Graciela Monterde, Fran Moreno, Marcela Nava, Ivo Pareja-Obregón, Lucrecia Petraglia, Estibalitz Ruiz,  Aida Sánchez, Lorena Santiago, Sarah Schielke y Victor González. Son todos protagonistas. Tampoco necesita una gran escenografía, bastan unos cuantos espejos y unos pocos golpes de luz para contar lo que se quiere contar. Apuesta por lo simple, y por un maestro de ceremonias de la talla de Manuel Bandera, quien armoniza a más no poder. 

A Chorus Line, el mismo que estuvo quince años en cartel en Broadway, el del Pulitzer, el que Michael Douglas llevó a la gran pantalla. El de los espejos, los números musicales, las filas y las audiciones. El que cuenta historias: la historia de los de Broadway.

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Espectáculos y teatro Magia

El Mago Pop: el arte de desafiar a lo imposible (y salir ganando)

Aquí va una confesión que Harry Potter, Houdini y cualquiera que haya dicho alguna vez «abracadabra» desaprobaría negando con la cabeza y alejándose un poquito de mí: no me gusta la magia. Más bien, no me gustan los trucos de magia.

Que adivinen la carta en la que estaba pensando, que me roben la nariz o que se pasen un pañuelo de una oreja a otra me fascina, de verdad. Pero como no sé cómo lo hacen, me frustro y termino enfurruñada hasta que se me olvide el disgusto o busque (sin éxito) la razón por la que eso parece posible.

Por eso, cuando fuimos a ver «El Mago Pop: Nada es Imposible (Broadway edition)» en el Teatro Nuevo Apolo de Madrid, mi ilusión nacía principalmente de la adrenalina que una siempre siente cuando pisa el teatro. Entré emocionada por enseñar la entrada a la acomodadora antes de indicarnos nuestros sitios de entre todos los que ya estaban llenos. Con la adrenalina de adentrarme entre las butacas llenas de miradas brillantes de expectación que iban dirigidas hacia el escenario. Entré como una simple espectadora de un show.

Y salí mágica.

Antonio Díaz es el nombre detrás del título «Ilusionista europeo más taquillero del mundo» y «Estrella de la Magia» en Netflix, formando parte de las pantallas de más de 190 países en todo el Globo. Es la persona que ha dejado a Antonio Banderas, Penélope Cruz y Stephen Hawking, entre muchos otros millones de espectadores, maravillosamente confusos y fascinados a partes iguales.

Ha estado en nuestras televisiones, tablets y sobre diferentes escenarios. Incluso aunque no hubiésemos visto nada de él, sabríamos decir de quién se trata. Porque lo único imposible de todo el espectáculo es no disfrutar cada vez que habla.

Y sobre todo, cada vez que hace magia. Porque lo que hace Antonio Díaz no son trucos, una manera de pasar el rato o el momento en el que chuleas de algo que sabes delante de tus amigos. Lo que hace es magia, y es arte.

Y eso es precisamente lo que el ilusionista catalán nos trae en «El Mago Pop: Nada es Imposible (Broadway edition)», arte. Un espectáculo con fechas tanto en Madrid (Teatro Nuevo Apolo), como en Barcelona (Teatre Victòria) donde todas las leyes de los libros de física, química, biología, matemáticas y la lógica se desafían y nos dejan completamente seguros de que todo lo que hemos estudiado en nuestra vida es relativo.

Juega con la realidad y con el público de una manera tan espectacular, tan elegante y tan bien hecha, que le dejas. Le dejas guiarte hacia un baile con el tiempo, el espacio, la gravedad, el azar que con él se vuelve menos caprichoso, y lo «imposible«. Y para cuando lo consigue, para cuando tú todavía estás intentando pensar en las maneras en las que lo que acaba de hacer tiene algún sentido, él ya ha empezado con la próxima razón de tu siguiente: «Pero, ¿qué?»

Porque simplemente te cautiva. Desde el principio, hasta mucho más allá del final. Y es que querrás hablar de cada instante del espectáculo con cada grupo de amigos, familia y hasta con la almohada. Este efecto sobre el espectador, sin embargo, no se debe únicamente al indiscutible talento del ilusionista y al equipo técnico, sino también a otros pilares clave: sus ayudantes y la música.

Tan importante es saber ser el protagonista, como el secundario sobre el que todo se sustenta, y los ayudantes de Antonio Díaz son clara prueba de ello. Este es un espectáculo rápido, divertido y ameno. Y como tal, se necesita un constante movimiento que ayude de manera invisible a la figura principal del espectáculo. Y así lo hacen.

¿Respecto a la música? Simplemente decir que en el metro camino a casa después del espectáculo busqué la playlist para poder escucharla de nuevo. Es que qué maravilla. Qué maravilla de canciones, y qué manera de situar cada una de ellas perfectamente en el lugar adecuado.

Ya me habían dicho que El Mago Pop era increíble, que cada truco era único y que se trataba de EL espectáculo de magia por excelencia. Todo el mundo estaba maravillado y parecía que el truco final era hechizar a todo aquel que saliera del teatro. Pero es cierto, porque no hay otra forma de salir.

«El Mago Pop: Nada es Imposible (Broadway edition)» es un show tan bien pensado y ejecutado, que es imposible encontrar las palabras. Es una hora y media que se sienten como cinco minutos, una delicia en directo, y un trabajo audiovisual tan bonito que simplemente te emociona. Porque no es que sea bueno con la magia, desaparezca y haga desaparecer bien las cosas (que también), sino que te hace sentir un poquito más vivo con cada palabra y cada nueva realidad que se inventa.

Podría escribir una tesis y un doctorado sobre el espectáculo. Pero cualquier cosa que te digan o que pueda decir yo, se queda corta. Porque la magia de verdad no se hace ni se dice, se siente. Y eso es exactamente lo que ocurre con Antonio Díaz: que siente la magia, y nosotros con él.

Porque sí, ahora sí me gusta la magia. Pero solamente si es El Mago Pop quien está sobre el escenario.

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Matilda, el Musical llega directo del West End a Madrid

Si os nombramos a una niña de cinco años muy viva e inteligente a la que le chiflan los libros, ¿os imagináis de quién hablamos? Y si además añadimos que tiene poderes telequinéticos, es decir, es capaz de cambiar los objetos de lugar y controlar las cosas con su mente… ahora sí, ¿verdad?

Efectivamente, estamos hablando de la archiconocida Matilda, la protagonista de aquella historia de Roald Dahl de 1988, que consiguió enamorar a generaciones y generaciones enteras. ¿Quién no ha fantaseado de niño con tener superpoderes como ella? Su brillantez e ingenio, su descaro y osadía, nos han hecho quererla y admirarla. Una niña valiente que se impuso a su ignorante familia y peleó por el futuro y la vida que se merecía.

¿Y qué ocurre con ella? Pues resulta que próximamente tendremos la oportunidad de vivir su historia como nunca antes lo hemos hecho. Al fin llega a Madrid, directo desde el West End de Londres, Matilda, el Musical, de la mano de SOM Produce. La empresa, que ha producido otros grandes espectáculos en la capital como el exitoso Billy Elliot,  ya ha convocado audiciones para su futura producción. ¡La próxima temporada teatral promete volver con toda la fuerza del mundo!

 

 

SOM Produce está buscando niños y niñas de entre siete y diez años, con alturas máximas de 1,35 centímetros. Si conoces a alguien con superpoderes o que al menos encaje en estos parámetros, ¡debéis rellenar el formulario de inscripción! Por ahora, todavía no se saben las fechas de estreno, ni el teatro en que tendrá lugar la premiere de Matilda, el Musical, pero estaremos atentos para no perdernos detalle de las futuras revelaciones que se hagan sobre el show. 

Un espectáculo que ha dado la vuelta al mundo, ha conquistado al público y a la crítica, y se ha mantenido en cartelera durante años y años. Después de haber estado en las mecas del teatro de los dos lado del globo, Broadway y el West End, tendremos la suerte y el honor de acoger Matilda, el Musical en España. 

La novela infantil de Roald Dahl fue adaptada en 2010 por el escritor británico Dennis Kelly, y se le puso la letra y música del compositor y cómico Tim Minchin. El debut de Matilda, the Musical en el West End se produjo el 24 de noviembre de 2011 en el Cambridge Theatre, y el estreno en Broadway tuvo lugar en el Shubert Theatre, el 11 de abril de 2013. Tal fue y tal es la acogida de esta superproducción, que el show ha continuado representándose hasta el día de hoy en el West End de Londres.

Vete preparando porque lo que está a punto de llegar es insólito y se convertirá en parte de la historia teatral de Madrid. Matilda viene para hacernos soñar como nos hizo de niños, para hacernos perseverar y enfrentarnos a las adversidades, y sobre todo, para darnos esperanzas. El cuento clásico de la niña que tenía poderes y amaba la lectura, ahora más real y cercano que nunca. ¡No te pierdas el estreno más importante de la próxima temporada!

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La comedia ‘Cancún’, de Jordi Garcelán, en octubre Teatro Infanta Isabel

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El próximo 3 de octubre llega al Teatro Infanta Isabel ‘Cacún’, una comedia de Jordi Galcerán dirigida por Gabriel Olivares que, tras haber triunfado en parte de Sudamérica y de España, permanecerá en cartelera en Madrid hasta finales de noviembre actuando en una o dos sesiones diarias.

 

María Barranco, Vicente Romero, Francesc Albiol y Aurora Sánchez conforman el elenco de actores que protagonizan ‘Cancún’, comedia en la que representan a dos matrimonios amigos de toda la vida, que deciden pasar unas vacaciones en la playa para celebrar las bodas de plata de su amistad.

 

Aunque ya hayan sobrepasado los cuarenta años, Lola, Vicente, Laura y Pablo disfrutan como enanos de sus días de relax: conocen lugares nuevos, descansan, toman el sol…
 

Todo es maravilloso hasta que un día, tras una noche de copas, Lola plantea que todas sus vidas podrían haber sido diferentes y confiesa el incidente que provocó la elección de parejas. A partir de ahí una serie de secretos se van descubriendo pero, sobre todo, se postulan una gran pregunta: ¿han conseguido ser felices?

Eso precisamente ha querido reflejar Jordi Galcerán con esta gran obra: cuando eres joven tomas muchas decisiones aunque desconozcas sus consecuencias o, a lo mejor, sin saber a ciencia cierta que es eso precisamente lo que estabas buscando.
 

Más adelante, llegas a una edad en la que es prácticamente imposible volver a empezar. Pero… ¿es el trabajo que tienes el que perseguiste durante toda tu vida?, ¿tienes los amigos que deseabas?, ¿soñabas con tu pareja? y, en definitiva, ¿has conseguido ser feliz?

 

Esta brillante obra, que no deja de ser una comedia, consigue que el espectador reflexione, le provoca melancolía y, sobre todo, hace que salga del teatro con agujetas de la risa. ¡No te la pierdas!
 

Las entradas para Cancún en Teatro Infanta Isabel de Madrid ya están a la venta en Taquilla.com.

 

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‘Los 100 hijos del presidente’, todos los jueves en Teatro Lara de Madrid

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Con guión y dirección del gran dramaturgo JuanMa Pina, la obra se estrenó el pasado 25 de septiembre en Teatro Lara de Madrid, donde va a permanecer en cartel hasta el 6 de noviembre. Las entradas Los 100 hijos del presidente ya están a la venta en Taquilla.com.

 

En esta obra, México se convierte en el punto que tienen común Verónica, psicóloga de uno de los mejores centros de fertilidad de Madrid, Jorge, un donante de semen de calidad Platinuim, Niko, un enfermero que odia a la humanidad, Paula, una esteticién con pasado difícil y ganas de perdonar, y Lupita Venganza, una anciana obsesionada con la lucha libre.

 

Verónica, que tiene tendencias al sado, decide mejorar su plan de jubilación sin tener en cuenta los aspectos legales. Para ello su ayudante, Niko, quien tiene un peligroso gusto por Wagner, y Jorge le echan una mano. Paula se ve obligada a entrar en el grupo el día anterior de que se ejecute la operación. Finalmente, Lupita será la única que pueda convertirse en un peligro para el grupo.

 

Esta es la trama a partir de la cual se desarrolla ‘Los 100 hijos del presidente’, una obra protagonizada por un elenco de actores que lo conforman Mario Alberto Díez, Alex Larumbe, Victor Mora y Aixa Villagrán.

 

Todos los jueves hasta mediados de noviembre en Teatro Lara de Madrid. ¡No te pierdas esta gran comedia que dice ser clínica, farmacéutica, psicológica y espermetozoica!

 

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‘Smiley, una història d´amor’ todos los fines de semana en el Teatro Lara

 

Tras haber cosechado un éxito que ha sobrepasado las fronteras nacionales, la comedia romántica ‘Smiley, una història d´amor’ llega al Teatro Lara de Madrid, donde permanecerá todos los fines de semana desde su estreno, el 20 de septiembre, hasta finales de año. Con esta divertida y emotiva obra, Guillem Clua ha debutado como director escénico.

 

La historia de ‘Smiley’ tiene puntos en común con una leyenda japonesa que contaba que cuando dos personas estaban destinadas a estar juntas, un hilo rojo e invisible las unía desde el día en que nacían, atándolas para siempre por muy lejos que estén.

 

A Alex y Bruno les pasa exactamente lo mismo. Sus personalidades son incompatibles, pero tienen dos cosas en común: son hombres y están enamorados. Alex acaba de sufrir un desengaño amoroso: se había ilusionado con una persona que de repente desapareció del mapa. Bruno jamás se fijaría en un chico como Alex, pero tiene con el una cita que se acaba convirtiendo en un evento que cambiará sus vidas para siempre.

 

A través de la relación de Alex y Bruno, ‘Smiley’ habla sobre las relaciones humanas, sobre cómo éstas han cambiado con la llegada de las nuevas tecnologías y los smatphones, sobre las contradicciones afectivas dentro de la comunidad gay, sobre los miedos que pueden acechar cuando te enamoras… ‘Smiley’ hará reír y llorar.

 

El elenco de tan exitosa comedia romántica, que ya ha sido traducida al castellaño, al inglés y al griego, está conformado por Ramón Pujol y por Aitor Merino. Las entradas para ‘Smiley, una història d´amor’ están a la venta en Taquilla.com.

 

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¡Indignados! vuelve todos los viernes a La Chocita del Loro de Gran Vía

 

Una de las obras de mayor éxito en España, que no deja de estar en la cúspide de la comedia en Madrid, vuelve a la Chocita del Loro de Gran Vía todos los viernes a las 12 y media de la noche, ¿te lo vas a perder? Las entradas para ‘¡Indignados!’ están a la venta en Taquilla.com.

 

Joseba Pérez, Raúl Navareño y Juan Carlos Córdoba son los protagonistas de esta divertida historia que está llena de humor y buen rollo, en la que Raúl, un parado, Joseba, un estudiante sin futuro, y Juan Carlos, un policía encargado de que se cumpla el orden, aseguran una noche de risas.

 

Ha llegado el día en que los integrantes del movimiento #15M deben desalojar la Puerta del Sol. Un gallo despierta de buena mañana a Raúl y a Joseba. Son vecinos; sus tiendas de campaña son colindantes…y han forjado una buena amistad. Sin embargo llegan a un desacuerdo: Joseba no quiere meterse en líos y ha decidido irse, pero Raúl, quien no comparte la idea del desalojo, se arriesga y no se mueve de donde está. Total… la crisis económica ha hecho que no tenga más sitio al que ir.

 

En el entretanto llega Juan Carlos, quien utilizará la fuerza si es necesaria para que se cumpla el orden y la ley. En un principio, parece que los tres personajes no tienen nada en común, pero poco a poco se va descubriendo que comparten más cosas que las que ellos mismos creen. Tanto es así, que los protagonistas se dan cuenta de que juntos podrán construir un país con un futuro mejor.

 

En medio de una España que no pasa por su mejor momento, en que los políticos parece que obran a sus anchas y en que el pueblo está, efectivamente, indignado, la comedia ‘¡Indignados!’, quizá por el toque humorístico que le da a temas de reciente actualidad y por la calidad de sus protagonistas, tiene el éxito asegurado.

 

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Espectáculos y teatro

La comedia ‘No te vistas para cenar’ en el Teatro Amaya de Madrid

 

‘No te vistas para cenar’, una de las mejores comedias del verano dirigida por José Troncoso, estará en el Teatro Amaya de Madrid hasta el próximo 14 de septiembre, actuando en una o dos sesiones diarias.

 

Esta fantástica comedia contemporánea, comienza cuando Fernando aprovecha que su mujer, Mercedes, se va de viaje el fin de semana a visitar a su madre para invitar a casa a su amante, Susi. Además, para que le salga bien la coartada, invita a su amigo, Carlos, y para que no les falte de nada, contrata a una cocinera.

 

Todo parecía estar perfectamente planeado, pero las cosas empiezan a ponerse difíciles. Es por ello que cada uno de los implicados debe fingir lo que no es para no ser descubiertos.

 

El elenco de actores que dan vida a esta fantástica comedia de Marc Camoletti está conformado por Yolanda Arestegui, Aurora Sanchez, Cuca Escribano, Antonio Vico y Jesús Cisneros.

 

La obra se estrenó en París en 1987 y tras numerosas reescrituras y posteriores transformaciones llegó a España de manera inédita. Las últimas oportunidades para disfrutar de la comedia se localizan en el Teatro Amaya, en Madrid. Las entradas para No te vistas para cenar están a la venta en Taquilla.com.