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Carmen Sevilla: ovejitas, algo de rock&roll y la picardía ingenua

Hay personas que alcanzan la figura, la sombra o la mantilla de mito y eso les permite no desaparecer nunca. Avanza cruel y distante el tiempo y sólo unos pocos privilegiados consiguen traspasar esa barrera, con sus anécdotas, sus historias y sus hitos.

Conocí a Carmen Sevilla de niño, en un televisor que no era plano, no tenía Internet integrado y tenía más culo que calidad. No eran los 90, no era el telecupón. Por cosas de la edad, yo descubrí a Carmen Sevilla con Cine de Barrio. Me sentaba en el sofá de Moratalaz con mi abuela y veía a aquella señora maquillada, con un peinado muy parecido al de mi abuela, como recién salida de la peluquería, de sonrisa de Gato de Cheshire que transmitía luz propia…

Aún me acuerdo hoy de sorprenderme por ver a la que podría ser mi vecina del bajo que me regalaba caramelos cada vez que pasaba por su puerta, presentando un programa de televisión, sentada en un saloncito bastante parecido al nuestro, rodeada de gente divertida y sonriendo con los ojos.

Quizás estas mujeres, algunas de verso en pecho, otras de baberos de esmeraldas, todas empoderadas e iconos, nos han educado a una generación entera, mostrándonos que los límites en cuanto a edad y género son absurdos y que la personalidad (mucho más que la belleza) puede resultar la mejor baza para jugar y ganar.

 

Se va la novia de España, la que generaba suspiros a su paso, la que rechazó Hollywood por miedo, la que popularizó que las estrellas participaran en campañas de publicidad. Aquella mujer torbellino que encandiló a personajes de la altura de Charlton Heston, Cantinflas, Frank Sinatra, el torero Carlos Arruza o Marlon Brando.

A Carmen Sevilla no me la volví a cruzar hasta mucho después. Ya sería de adolescente cuando me topé con su faceta de actriz y con su cine y sus canciones. La misma mirada, el mismo ímpetu, la misma bondad. Comenzó su carrera muy joven, en 1946, bajo la pupila de Estrellita Castro. Para 1949 obtendría su primer papel protagonista acompañada de Jorge Negrete en “Jalisco canta en Sevilla”, la primera producción hispanomexicana de la Historia y que supuso un éxito. Además, el primer beso que dio la actriz en su vida fue en esta película, con 16 años. Le seguirían “La hermana San Sulpicio” con Imperio Argentina, “Gitana tenías que ser” con Pedro Infante y Estrellita Castro o “Violetas imperiales” junto al tenor Luis Mariano, siendo su última cinta en 1978 junto a Bárbara Rey y el cantautor Juan Pardo. España, Francia, Italia, México y hasta Hollywood…, todo un mercado internacional que se quedó prendado de la actriz.

Su carisma y su belleza la condujeron a ser una de las actrices más solicitadas del panorama cinematográfico español, siendo actriz fetiche de Franco. Sin embargo, sus roles serían casi siempre iguales: la guapa, la bella, el sex symbol… El cine (y la sociedad, todo sea dicho de paso) vieron en Carmen un modelo de mujer que interesaba: recatada, católica, patriota, decente, que siendo bellísima guardaba el decoro y no se dejaba eclipsar ni por los pecados de la carne ni por la brillantina de la fama. Lejos de todo eso, la que fuera natural de Sevilla, mantenía la imagen que España quería ver en ella por interés, porque, como otras tantas, en una España en blanco y negro, siempre hizo lo que quiso, que ante Dios y ante Franco, primero la Sevilla.

“He tenido pretendientes y es que de mí se prendaban los hombres porque tenía eso, tenía una especie de ingenuidad pícara, una dulzura pícara, un misterio… Quería y no quería. Les ponía a tope” reconocía en una entrevista. Haciendo gala de esa ingenuidad pícara, no tuvo problemas en reconocer haber sufrido dos abortos para hacer frente a unos contratos de trabajo (cuando en España estaba penado con cárcel) ni que mandó a paseo a su primer marido, Augusto Algueró, por las infidelidades y las tensiones constantes en su matrimonio antes de legalizarse el divorcio.

 

También hubo tiempo para ser pionera: fue la primera estrella en pactar una exclusiva con una revista de la prensa rosa. Hasta 30 millones de pesetas recibió el matrimonio de Carmen Sevilla y Vicente Patuel. Una boda tan secreta, que el hijo de la cantante y actriz no estuvo invitado. Esto abriría las puertas a otras famosas, desde Sara Montiel hasta la reciente boda de Tamara Falcó e Íñigo Onieva.

Actriz de la época dorada del cine mexicano y de los años 50 y 60 en España,  para los años 70, tanto la sociedad española como los papeles de cine para las mujeres cambiarían. Así, optaría a papeles más picantes en “El apartamento de la tentación” o “Un adulterio decente”, siempre  jugando en la frontera entre el quiero y no quiero, enseño y no enseño, me apetece, pero no tanto. Se dice que Carmen Sevilla participó – brevemente y de manera muy superficial, eso sí – en el cine de destape por venganza hacia Augusto Algueró, cansada de sus infidelidades.

De su filmografía destaco “El balcón de la luna” que, curiosamente, veía en la Antigua Fábrica El Águila de Madrid hace justo un año. Carmen Sevilla, La Faraona y Paquita Rico… Un trío de ases y de divas que se llevaba a matar en la película por una competencia insana, pero profundamente divertida. Se cuenta que, para evitar egos y peleas por ver quién  aparecía antes en los títulos de crédito, idearon una ruleta con los tres nombres que daba tres vueltas, así cada una aparecía al mismo tiempo, sin orden, pero con mucho concierto. También destaco “La Venganza” por ser la primera película española nominada a los Premios Oscar en la categoría de Mejor película en lengua extranjera, “Rey de reyes” dirigida por Nicholas Ray en la que interpretaba a María Magdalena y que supuso su aparición en Hollywood o “Marco Antonio y Cleopatra”, en la que Charlton Heston la escogió para el papel de Octavia y en la que se cuenta que el actor aprovechó alguna escena para tocar más de lo escrito en el guion. La actriz, ni corta ni perezosa, le dio un mordisco en el labio mientras se besaban en señal de castigo.

Tras el ultimátum de su segundo marido, Vicente Patuel, quien le obligó a escoger entre el amor o el cine, se retiró a la famosa finca de las ovejitas en Extremadura. Para 1991, llegaría Valerio Lazarov – un semidios dentro de la Historia de la Televisión en España – a rescatarla de su letargo y ponerla al frente del Telecupón. Vicente no quería que Carmen Sevilla volviera a su vocación, pero el contrato que fijaba el caché de 300.000 pesetas por programa fue crucial. Y menos mal, había nacido una estrella de la televisión.

Diagnosticada de Alzheimer en 2009, Carmen Sevilla se retiró definitivamente de la televisión y el cine, manteniendo siempre las distancias y protegida de dimes y diretes, fallecía el pasado 27 de junio. Como en aquella canción de Fangoria, parece que una parte de mi mundo desaparece… Carmen Sevilla era la última del grupo de folklóricas que quedaba viva. Y con ella, parece que enmudecen – me niego a pensar que mueren – las anécdotas de aquella España en blanco y negro, de ese grupo de mujeres que se supieron mover en un mundo carente de libertades, gracias a su arrojo, su carácter y su personalidad y que pasearon sus buenas piernas derramando talento y dinero. Las portadas de revista, las fiestas, las bodas multitudinarias, los piponazos, las pelucas imposibles, los trucos de belleza a base de esparadrapo y medias y sus entrevistas mostrándose emperifolladas y empoderadas. Sólo pienso en cómo estarán allí arriba, todas juntas, en una especie de sala enorme con el lujo americano más auténtico del que tanto disfrutaron, pero al mismo tiempo, con la esencia más pura y más castiza, que para españolísimas ellas. Entre el camp hollywoodiense y lo cañí, nuestras folklóricas se reúnen alrededor de una mesa en la que hay mucho jamón, mucho alcohol y muchas risas. Y cuando yo vaya para allá (espero que dentro de muchos años), pienso llamar a esa puerta. A ver si con suerte, también anda por allí Terenci.

Hasta siempre, Carmen

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Estreno del Live Action de “La Sirenita”: ¿Qué remakes de Disney son un sí y cuáles «no tanto»?

Disney ya nos había mal acostumbrado a recrear sus películas más épicas, y esta vez lo prometido era traernos de vuelta a la princesa Ariel. El Live Action de La Sirenita ya está aquí y sin duda ha sido uno de los más esperados por parte de los fanáticos de esta productora.

La que es una de las princesas Disney favoritas del público, generó algo de controversia tras publicarse el primer tráiler y conocer que la intérprete sería la maravillosa Halle Bailey, por ser una actriz negra ¿Debería esto dar pie a algún tipo de debate? La historia sigue siendo la misma, y es muy importante que tantas niñas puedan verse reflejadas en esta Ariel.

Por otro lado, se comenta que Halle está radiante en este papel y se adapta muy bien al personaje ¿Podremos decir que la película consigue disipar la nostalgia? Parece que ya hay consenso en la crítica, que la considera una versión que sigue siendo fiel a la original, pero en la que sobran algunas canciones y los efectos en el agua dejan mucho que desear.

Aunque sin duda lo más destacable es el brillo de la protagonista, se echa de menos la interacción de personajes como el cangrejo Sebastián o el pez Flanders; y un Javier Bardem que parece no convencer como Rey Tritón.

Sin embargo este no es el único remake de Disney que podría dejarnos con la miel en los labios. Hemos seleccionado algunos Live Action más para ver si esta idea de recuperar historias tan populares es más un acierto o un fracaso, o si te apetece una maratón antes de ir al cine a ver “La Sirenita”.

Remakes de Disney

Alicia en el País de las Maravillas (2010)

Este primer Live Action fue mucho más libre y al público no le importó que no calcara la versión animada. Y es que el director de un mundo tan macabro como este no podía ser otro que Tim Burton, que juega con sus propias ideas sobre la historia. Este mismo, no tuvo tan buena acogida en 2019 con “Dumbo”, que a pesar de su buena animación, carecía de emoción y sensaciones.

Por otro lado, Johnny Depp siempre está cómodo en figuras como la del Sombrerero Loco, y a Helena Bonham Carter le queda ideal la distinguida Reina de Corazones. Con ese elenco y los visuales ya es complicado no quedar embelesado con esta versión de Alicia.

La Bella y la Bestia (2017)

Las exigencias son mayores cuando nos prometen traer de vuelta a las Princesas, y lo justo (y arriesgado) era empezar por una de las más queridas: Bella.

Producción, escenografía y vestuario son espectaculares en “La Bella y la Bestia” y consiguen recrear una versión bastante fiel, que nos transporta desde una aldea de cuento hasta el imponente castillo, pasando por el bosque tenebroso.

Las escenas musicales también sacan más de una sonrisa, y personajes secundarios como Lefou, interpretado por el mismísimo Ewan McGregor, consiguen envolver con su carisma. Sin embargo, parece que las opiniones están divididas y a muchos no les convence Emma Watson como Bella, o creen que se ha perdido la magia ¿Le damos el aprobado, o no?

El Rey León (2019)

Lo cierto es que hay unos cuantos “noes” rotundos en este conjunto de entregas. La mala noticia para Disney es que uno es ‘El Rey León’, su película animada más taquillera. Es curioso que su versión más realista apenas quedó por detrás de “Avengers: Infinity War”, solo que el público salió muy decepcionado de las salas de cine. Los animales digitales son una asignatura pendiente para Disney, que lo volvió a confirmar con la versión de “La Dama y el Vagabundo” de 2019. Resultó ser incluso incómoda.

Está comprobado que la única manera de aliviar la nostalgia es acudiendo a ver el musical que ya lleva nada más y nada menos que 12 años en el Teatro Lope de Vega de Madrid.

Aladdin (2019)

Aladdin lo tuvo algo más fácil para digerir la crítica porque Will Smith defendió el personaje del Genio, que a pesar de ser diferente, destacó con su propio humor y personalidad. Naomi Scott pasó la nota de corte como Jasmine, que incluso eclipsa a Aladdin no solo por voluntad del guión sino también porque Mena Massoud se queda un poco corto como protagonista. Marwan Kenzari, sin embargo, no fue ningún acierto para interpretar a Jaffar.

A pesar del colorido, números musicales destacables y una buena interpretación de las canciones, esta versión de Aladdin no parece que vaya a ser muy recordada.

Mulán (2020)

A veces la intención de Disney simplemente es crear historias diferentes a partir de otras que ya existen. Y así nos presentaron Mulán: como una versión que quiere ser realista al 100% y por eso ni se molesta en recrear personajes como el dragón Mushu (nadie quería un desastre como el de El Rey León).

La esencia sigue siendo la misma: Mulán no encaja en la sociedad china y acaba convirtiéndose en una guerrera. La película está muy lograda, entusiasma y ofrece novedad. Pero es muy complicado el consenso entre el público, y hay quienes insisten en que tenía que haber sido fiel a la versión animada.

Cruella de Vill (2021)

Y ya que Maléfica tuvo su momento, había que sacarle el potencial a otro de los personajes más extravagantes de Disney: Cruella de Vill. Después de interpretar papeles en peliculones como “The Amazing Spider-Man” o “La la Land”, estaba claro que podíamos fiarnos de Emma Stone para hacer de Cruella.

Esta vez es la historia de una joven que quiere abrirse hueco en el mundo de la moda en el Londres de los años 70. Aunque lo de redimir villanos es algo que no suele gustar a los fanáticos, la locura y la excentricidad de Cruella no se pierden en este remake que además evita visibilizar la trama más oscura de la versión original, pero sin dejar de representar a los protagonistas caninos de “101 Dálmatas”

Otro apunte es el vestuario que luce Emma gracias a la diseñadora Jenny Beavan, que sin duda fascinó al público.

Aunque muchos disfrutan de volver a ver sus películas favoritas en la gran pantalla, los Live Action también tienen muchos haters que consideran que estropean la magia de las versiones originales. Veremos si “La Sirenita” convence a los más dubitativos.

¿Y tú? ¿Con cuál de estos remakes te quedarías? ¿Cuál es la próxima película que Disney debe recrear?

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Cultura Espectáculos y teatro Eventos Música Musical

‘Malinche’ de Nacho Cano no es solo un musical

Una experiencia 360º en la que no faltará la música, una gran oferta gastronómica y muchas sorpresas

Son infinidad las historias que nos rodean. Mientras unas son olvidadas, otras se propagan de forma tan rápida como fugaz. Pólvora. Solo algunas consiguen instaurarse de forma casi permanente en nosotros. En lo que nos define. En lo que somos. 

Si hay algo en lo que todos estaremos de acuerdo, es que no hay historia sin personajes que la escriban, ni relato si no hay quién lo cuente. Son muchos los hitos que marcan nuestra historia y muchos los hitos que, del mismo modo, hacen lo propio con nuestro destino. 

Malinche fue y es una mujer amada en España y tomada como traidora en su propio país. Curioso. La considerada madre de la cultura mestiza, lo que a día de hoy nos gusta llamar pionera. Revolucionaria o incluso resiliente. 

No hay historia sin personajes que la escriban, ni relato si  no hay quién lo cuente.

‘Malinche, el musical de Nacho Cano’, cuenta la historia de cómo esta joven esclava fue vendida a los mayas. Y cómo tuvo uno de los primeros mestizos mexicanos con el conocido conquistador español Hernán Cortés. Muchos quizá duden de si están o no leyendo unas líneas que son realidad histórica y que, aunque romantizada, aparece retratada en un musical que nos permite conocer la llegada de los españoles a México

Representado en las instalaciones de IFEMA Madrid y con unas cifras que marcan el éxito precedido estos meses atrás, el espectáculo no es sino un despliegue de lo artístico. Se dice que son doce los años que el exmecano tardó en dar forma a un musical que hoy brilla por sí solo en la cartelera madrileña.

Un musical que nos permite conocer la llegada de los españoles a México.

Y es que, si algo tiene el musical es que no solo es un musical. Desde que entras en la carpa, tienes la sensación de estar inmerso en un país que no es el nuestro. En un mundo que es el suyo. Luces de neón, DJ, comida típica mexicana-española, y un post show que te animan a continuar la fiesta más allá de la función. El Templo Canalla lo llaman.

La complejidad de contenido resulta quizá la barrera principal que el musical debe franquear. Una historia densa y tan rica en matices, obligada a ser contada en dos horas, provoca un exceso de estímulos y una lluvia de ideas que en ocasiones pueden resultar inconexas. Aún así la ambición nunca fue pecado, y el resultado es grandilocuente y brillante.

Mención especial merecen sus números musicales. Temas como ‘México Mágico’ o ‘Hijo de la guerra’ suponen una reminiscencia a una historia pasada. Con Andrea Bayardo, Ignacio Galán, Adrián Salzedo, Olga Llorente, Javier Navares y Jesús Carmona entre el reparto, se hace todo un homenaje a la actuación, el arte y el flamenco que abarca este país de punta a punta. Ahora se entiende el trabajo de esos doce años. 

Un homenaje a la actuación, el arte, y el flamenco que abarca este país de punta a punta

La magia del musical ha logrado atraer a figuras como la de Juan Magán, que el próximo 31 de marzo y 1 de abril, actuará en las funciones nocturnas con el remix que ha compuesto junto a Nacho Cano: ‘Hijo de la Guerra’. Sin duda una de las canciones estrella del espectáculo.

Malinche escribió su propia historia. Nacho Cano decidió que debía ser contada. Y cantada.

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Cultura Espectáculos y teatro Música Musical

‘Tick, Tick… Boom!’: hay muchas formas de estallar

El Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío apuesta por un musical innovador y revolucionario

30. Los años que tenía Harrison Ford cuando le dieron su primer papel importante como secundario en ‘American Graffiti’: y de ahí a la historia del cine. 33. La edad que tenía Jan Koum cuando desarrolló Whatsapp, la aplicación por excelencia. 32.  Los años de J.K. Rowling cuando publicó ‘Harry Potter y la piedra filosofal’, la primera novela de una de las sagas más importantes hasta hoy. Hay vida después de los 30, y quien diga lo contrario, miente.

(…) como si los 30 fuesen una barrera imposible de franquear.

Aceptar que nuestro tiempo se acaba es probablemente el mayor de los retos al que se enfrenta el ser humano. A contrarreloj, sentimos como se esfuman nuestros sueños, y la frustración y la sensación de fracaso se apoderan de nosotros como si los 30 fuesen una barrera imposible de franquear. Como si no existiese margen de maniobra. Como si la resignación fuese la única opción. 

Sin embargo, en un mundo en el que imperan la ansiedad y el estrés, donde está de moda no arriesgarse y no salir de la zona de confort, hay quienes deciden aferrarse a sus sueños. A pesar de que estos suenen en nuestra cabeza como la cuenta atrás de una bomba dispuesta a estallar en cualquier momento. 

Jonathan Larson (Daniel Diges), Michael (Julian Fontalvo) y Susan (Anabel García) son solamente tres más de los tantos que en los años 90 eligen Nueva York como destino para probar suerte en el mundo de lo musical, lo dramático, lo artístico. Tres más que reflejan el sino al que la mayor parte de ellos está abocado. El destino al que solo los más valientes se enfrentan. 

Michael, quien prefiere rodearse de lujos para no hacer frente a una realidad que lo persigue de forma casi aterradora. Susan, quien no ha dudado en bajar el listón de sus sueños para poder considerarse más feliz. Jonathan, quien se agarra a sus sueños, se atrinchera y se prepara para todo lo que venga: el aspirante a compositor que trabaja de camarero en Nueva York mientras escribe lo que espera que sea el próximo gran musical americano.

Un espectáculo que, con solo un piano, una buena banda y tres actores, crea la más especial de las historias.

Hay ocasiones en las que hasta los acontecimientos más inesperados acaban sucediendo. O si no que se lo digan a algunos como Jonathan Larson que, en el mismo lugar en el que sólo triunfan las fórmulas repetidas de Broadway, consiguen que gane lo revolucionario, lo innovador, lo especial. 

Fue la película de Netflix estrenada el pasado 2021 protagonizada por Andrew Garfield ‘Tick, Tick… Boom!’ la que abrió la veda y dio paso a un espectáculo que, con solo un piano, una buena banda y tres actores, crea la más especial de las historias.

Si algo se escapa de toda razón y entendimiento es el hecho de que nunca podremos hacer nada contra unas agujas del reloj que avanzan incesantes a nuestro paso. Quizá, lejos de huir, debamos hacer frente y dejarnos llevar por ese ‘tick’, ‘tick’, ‘tick’, tan caprichoso y sobrecogedor que retumba en nuestra cabeza. Puede que perderse de la forma más inesperada sea el comienzo de la gran historia de nuestra vida. Y la única forma posible de estallar. 

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Cultura Espectáculos de humor Espectáculos y teatro Musical

Lavar, marcar y enterrar, o el multiverso pop criminal

¿Qué pasaría si metes en una coctelera – con brilli brilli, por supuesto – a Andy Warhol, a Pedro Almodóvar, a Agatha Christie y a Arantxa Castilla – La Mancha?

Tras seis años en cartel, más de 20.000 espectadores y ser candidata al premio Max Autor Revelación en 2015, la trilogía de nuestra peluquera en serie favorita surge de nuevo…, pero esta vez en formato musical. “Lavar, Marcar y Enterrar, el musical” es una comedia divertida y disparatada donde brillan las pelucas, los tintes, los peinados imposibles y ¡hasta tres extrañas criaturas!

¿Cuáles son sus historias? ¿Qué secretos esconde la peluquera de “Cortacabeza”? ¿Estarás en disposición para abrir sus puertas y convertirte en cómplice (y fan incondicional) de sus extravagancias?

 

Tras mucho esfuerzo, nuestra protagonista consigue cumplir su sueño: abrir una peluquería en la que desatar toda su creatividad, acompañada siempre de su fiel (y mal pagado) ayudante. Sin embargo, hay ciertas personas empeñadas en truncar su sueño hecho realidad. Y, por supuesto, luchará con secador y laca Nelly para no dejarse pisar por nadie.

Nacida como una versión del texto original de Juanma Pina gracias a José Masegosa, el musical, completamente renovado, se tiñe – nunca mejor dicho – de un aire burlesque, cabaretero y pop, con canciones y diálogos con mucho ritmo (yeyé) y unos personajes a cada cual más estrambótico, gracioso y pintoresco. A través de canciones divertidas, algunas veces escatológicas, y escenas que se mueven perfectamente hiladas entre el terror, la más pura cotidianeidad y el cachondeo, se introduce al espectador en la historia de la propia peluquería que, realmente, es la protagonista. Y, aunque pueda parecer algo vano, este musical va más allá de coreografías, pelucas, decoración vintage y la historia cómica de dos atracadoras muy bien peinadas, pero algo torpes para con su misión. El musical nos habla de temas tan interesantes como el Orgullo Friki, la liberación de la personalidad, el rechazo profundo a la normalidad, el culto al universo pop (al que los raros le debemos darnos un hueco en la sociedad, muchos referentes y combatir el sentimiento de individualidad) y, por supuesto, la lucha por cumplir los sueños.

 

Si Alaska creó la funcionaria asesina en el 86, ¿por qué no esperar lo mismo de una peluquera? ¿Por qué no añadir a la fórmula esa especie de electroduendes y conformar así un multiverso pop criminal?

 

El musical refleja la historia de la peluquería y de los personajes que allí habitan, transcurriendo por el pasado, presente y futuro de manera indiscriminada, pero siempre con la comedia como centro y sin hacer perder el punto de referencia al espectador. Quizá, lo que menos me ha gustado es que, al principio, parece que el ambiente del musical atrapa y ahoga demasiado rápido al espectador y cabe preguntarse “¿pero qué pasa? ¿Qué invento es esto?”, pero transcurridas un par de escenas, el espectador se adentra completamente en la obra y su esencia. Lo que más he disfrutado es que todo el elenco de intérpretes parece manejar perfectamente la vis cómica de la obra, crear un ambiente propicio para las risas y dejarse llevar por la absurdez y las coreografías.

 

 

Con una puesta en escena innovadora y un halo de misterio sobre las criaturas terroríficas que habitan la peluquería que se va desvelando según avanza la obra, “Lavar, Marcar y Enterrar, el musical” nace como el plan perfecto para pasar una tarde de risa, entre otras cosas, gracias al talento de los intérpretes, las letras de las canciones y los diálogos cómicos que surgen entre los personajes. Nadie ajeno al disparate y al escape de la rutina diaria debería perderse esta comedia que destila talento. 

 

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Cultura Eventos Música Musical Pop/rock

‘We Will Rock You’, larga vida al rock and roll

El musical estrena su segunda temporada en el Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío de Madrid

Imaginemos solo por un momento un mundo sin música. Sin nada que tararear, sin un impulso para bailar, sin una razón por la que emocionarse, o sin una banda sonora para aquello que queremos celebrar. Bien, ahora imaginemos solo por un momento un mundo sin música en directo. Un lugar robótico, distópico, individualista y perseguidor. 

Si en 1970 esto hubiese sido así, no sabríamos lo que es Queen, ni quien es Freddie Mercury ni por qué Wembley suena a inspiración. No entenderíamos la moda de las camisetas sin mangas, ni sabríamos quienes son los campeones y, por supuesto, tampoco sabríamos qué es eso de ‘Bohemian Rhapsody’ ni lo importante que es querer ser libre. Si en 2002 esto hubiese sido así, tampoco se habría estrenado en el  Dominion Theatre del West End de Londres ‘We Will Rock You’ un 14 de mayo.

Con un formato renovado pero manteniendo las canciones de Queen como hilo conductor, el espectáculo vuelve al Gran Teatro CaixaBank Príncipe Pío de Madrid. Xavi Melero y Ferran Fabá (Galileo), Anabel García (Scaramouche), Ivan Herzog (Brit), Cristina Rueda (Ozzy), David Velardo (Khashoggi) y Manuel Ramos (Osborn) serán algunas de las estrellas que formen parte de este despliegue de rock and roll, con tintes de comedia y futurismo. 

Un homenaje a una de las bandas más importantes de nuestra historia que ha sabido teletransportarnos a un futuro distópico en el que cualquier forma de creación artística está prohibida. Algunos rebeldes dispuestos a desafiar esta forma de represión esperan la llegada de Galileo, el único que puede conseguir que regrese la música, el rock y la libertad. Una historia que contada al son de canciones comoSomebody to love’, ‘I want it all’ o ‘Another one bites the dust’ siempre suena mejor.

Mención especial merecen Pablo Navarro, Danny Gómez, Chema Animal, Pazo Bastante y Ángel Reyero, quienes se han encargado de demostrar que no pertenecen a nuestro mismo planeta y que, efectivamente, si la música desaparece, desaparece el mundo con ella. Cinco músicos que forman la banda que en directo cada día nos trae un pedacito de lo que es y será siempre Queen. Pura magia. 

A medio camino entre el concierto y el musical, ‘We Will Rock You’ ha sabido captar la mejor de las esencias de ambos. Con un guión fresco, actual y divertido y una escenografía que sobrepasa los límites de la tecnología nos enseña por qué más de 16 millones de espectadores y 19 países no han podido resistirse a él. 

Hubo un tiempo en el que la vida era real, el amor era real y la música en directo era auténtica. Una época en la que existió un grupo de rock que ahora viaja en el tiempo. Pasado, presente y futuro. Y lo sigue haciendo. Habrá un tiempo en el que seguiremos gritando: “Larga vida al rock and roll”, y no existirá futuro ni distopía que nos pare. De eso va ‘We Will Rock You’. 

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Cultura Danza Espectáculos y teatro Eventos Flamenco

Antonio Márquez: “Cuando conozcan ‘Medea’ van a estar buscando este género cada día”

El bailarín y coreógrafo sevillano presenta a su compañía en el teatro EDP Gran Vía de Madrid

Toda una vida repleta de dedicación, esfuerzo y sacrificio es lo que ha costado al artista Antonio Márquez llegar a donde está hoy. “Yo seguiría dejando el alma cada día en el escenario como si fuera la primera y la última vez”, son las palabras de quien acostumbra a apostar por el arte, la danza y por aquellas obras que lejos de merecer ser olvidadas, tratan de abrirse un hueco entre los escenarios y teatros del mundo. Y así es ‘Medea’

Casi cuatro décadas después de su estreno la obra sigue siendo considerada como uno de los momentos culminantes del ballet teatral flamenco. Mérito que se debe atribuir a la música de Manolo Sanlúcar, la coreografía de José Granero y al libreto de Miguel Narros, quien a día de hoy sigue siendo todo un referente para bailarines y coreógrafos. 

La pieza ha estado siempre en manos del Ballet Nacional y este “no ha sabido tratarla”, afirma el bailarín. Tanto es así, que el heredero ha decidido que no debería quedarse en los baúles y contrató a Antonio y a su compañía para que pudieran “poner la obra donde debe estar: en el mismo sitio en el que está una Giselle o una Carmen de Roland Petit ”. El artista aboga por dar a este tipo de obras clásicas y a la danza “la repercusión y el sentido” que se merecen. Porque “a ‘Medea’ o la ven aquí y la ven ahora o dios sabe cuándo lo harán”, sentencia Márquez.  

Recuerda el día que se rebeló ante el “no” de su jefe y decidió presentar un espectáculo de flamenco en la Ópera de la Bastilla de París. El público, el escenario y el teatro colapsaron. El mismo público que acostumbrada a salir quince minutos antes de los espectáculos se quedó media hora más aplaudiendo. Media hora. Y eso lo consiguieron el flamenco y Antonio Márquez. “Un director de un teatro no puede ser exclusivo, debe ser neutral y entender que tiene público de todo tipo. Tu dale buen género y verás cómo responde”, asevera el sevillano. 

Quizá sea por esto mismo por lo que el escenario es su sitio. Como dice el refrán Zapatero a tus zapatos. Y qué razón tiene. “A mí dirigir no me ha gustado. A mi me ha gustado siempre formar a los bailarines, transmitirles mi energía, mi pasión. Para mi eso es lo mejor, sentirme bailarín, dirigido”, comenta. 

A día de hoy los bailarines salen del conservatorio preparados pero necesitan clases y lugares que los acojan y donde puedan desarrollarse. Sin embargo, muchos de ellos acaban trabajando en algo totalmente alejado de su pasión.  “Te da pena ver esto, que es nuestro, esta cultura y que poco la cuidan para que estas personas tengan que estar donde tienen que estar: bailando”, se lamenta.

Para la compañía no ha sido fácil llegar a dónde están hoy: “hemos tenido que sustituir a varias personas de la compañía y eso nos ha quitado tiempo de clases, ensayos y de poder seguir con el repertorio habitual”, afirma Márquez. “Pero así es como se cogen realmente las tablas, el sentido de la compañía y como todos  acabamos respirando igual”. 

Las bailarinas Helena Martín como Medea y Lupe Gómez como la Nodriza, y el bailarín Luis Ortega como Creonte son algunos de los que forman parte del equipo de más de 23 personas que cuentan con “una disciplina tremenda y sobre todo están enamorados de lo que hacen cada día”. 

Y es que la danza, en palabras del bailarín, al igual que todas las artes debe tener el poder de comunicar. De transmitir. Los pasos acompañan, el cuerpo acompaña pero: ”lo importante de todo eso no es ejecutarlo sino hacer sentir al público. Hacerle vibrar con lo que tú sacas de dentro”

Por eso ‘Medea’ es importante y por eso la compañía de Antonio Márquez lo hace tan bien. Porque lo saca de dentro y es capaz de reconocer con la cabeza bien alta que “el día que la conozcan van a estar buscando este tipo de género y de compañías cada día”

 

Colaboración: Alejandro Pérez

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Conciertos Música Viajes

Los temazos (y los clásicos) se escuchan en el coche

“¿Llevas los cargadores?”, “Pero si yo solo me encargaba de las chuches”, “El protector solar mejor guárdalo en la mochila que nos lo pongamos nada más llegar”. Estas oraciones y el sonido de las llaves dando cuatro vueltas a la cerradura de casa antes de salir, son el preludio de cualquier viaje que se precie. Ya sea a la playa, a la montaña o al pueblo de al lado, el sonido de las ruedas por los adoquines de la calle y el “clac, clac” de las chanclas son la introducción de un viaje que comienza en el coche.

Sin embargo, el verdadero viaje, la experiencia única de ir apretados entre maletas y bolsas con Papa Delta no comienza hasta que alguien enciende la radio. O lo que es mejor, pone la playlist. Porque no se trata de una lista aleatoria, no es el “Top 50 actual” ni el “Novedades Viernes”, es LA playlist. Efectivamente, estoy hablando de las españoladas y de todos esos temazos de los que no te acuerdas hasta que estás en el asiento de atrás comiendo peras ercolinas y Pringles. Todo junto, porque luego se lo tienes que pasar al copiloto y no podemos ser avariciosos.

Y es que casi se ha convertido en una cultura en sí misma. 20 de Abril, Por La Raja de Tu Falda, La Flaca, I’m Yours o Limón y Sal están ahí. Tienen que sonar. Casi debería ser ley. De hecho, tengo una teoría más fiable que la de la gravedad: el viaje que se haga, saldrá bien solo y solamente si suena Caminando por la vida de Melendi en el trayecto. Si no es así, las vacaciones podrán ir bien, pero no tanto como podrían haber ido si hubiera sonado ese temazo.

Por eso, en caso de que no tengáis esa lista creada propiamente dicha, hoy venimos con el nombre de algunos artistas y varias canciones suyas que son, simplemente, un obligado en cualquier coche que se precie:

 

Amaral

Amaral es imprescindible. Especialmente Marta, Sebas, Guille y los demás, o como es realmente conocida: “son mis amigos”. En esta canción no hace falta subir el volumen porque desde el principio el coche entero canta ya a más decibelios de lo que está legalmente permitido en un vehículo. Junto a esa, El universo sobre mí. La única que está en las playlists únicamente para pasarla es Días de verano, o más conocida como “No quedan días de verano” pero simplemente porque no es necesario recordar ciertas cosas.

Fito y Fitipaldis

Todo lo que suene de Fito y Fitipaldis va a estar bien simplemente porque son himnos. Pon Soldadito marinero y la gente se pondrá un poquito melancólica sin razón aparente. ¿Quieres que hagamos memoria y recordemos si era por los libros, el maestro o el colegio por lo que Fito pudo aprender? La casa por el tejado. Y si no sabemos muy bien lo que queremos, elige Por la boca vive el pez, y la gente dirá “BUAH, HIT”.

Melendi

Qué decir. Melendi, el generador de temazos por antonomasia. Podríamos mencionar discos enteros que harían del viaje un lugar seguro de toda tristeza. Pero si hacemos selección, además de Caminando por la vida, debe sonar Hablando en plata, Tu jardín con enanitos y Canción de amor caducada. O simplemente ponlo en aleatorio, jamás va a fallar. 

La Oreja de Van Gogh

Que tire la primera piedra quien no haya mirado de manera intensa cantando 20 de enero. El sonido de la campana, las fotos tuyas de antes… una maravilla. La Oreja de Van Gogh es una maravilla. Rosas o El Último Vals son otros temas que se escuchan entre carteles de kilómetros dando la cuenta atrás. 

El Canto del Loco

Nos queremos sentir canallitas o simplemente porque nos las sabemos: El Canto del Loco suena. Besos, Zapatillas, La Madre de José, Eres tonto… podríamos hacer una tesis entera solo sobre las razones por las que El Canto del Loco debe sonar en cualquier trayecto, aunque sea solo en el viaje del sofá al supermercado.

Son canciones que no solo han sobrevivido a los años, sino que los han mejorado. Se han convertido en la banda sonora oficial de unos viajes que huyen del silencio. ¿La razón? Como todo lo que nos hace sentir bien, no se sabe. Quizá sea porque todo el mundo se las sabe. Ya sea si hacemos un viaje con amigos, con nuestros padres, con la familia entera o solos en un viaje de introspección. Todos sabemos qué viene detrás de “Carolina, trátame bien” o la razón por la que Marta nos llamó a las 6 (hora española). Puede ser también esa sensación de karaoke privado, de viajar en el espacio y en el tiempo mientras intentamos evitar los peajes cogiendo caminos completamente apartados de la vida humana pero con la voz de Joaquín Sabina guiándonos.

O también puede ser la nostalgia. El recuerdo de otros viajes que ya hemos hecho y de todas las quemaduras y picaduras de mosquito que ya hemos tenido. Como un intento de hacer un “Copiar” de las experiencias que ya nos han llenado para después “Pegar” todas ellas en el destino al que nos dirigimos en el momento. Y es que lo consiguen. No porque repitamos las experiencias, sino porque esos temas son como la intuición que asegura que todo va a ir bien, hagamos el viaje que hagamos y vayamos a donde vayamos.

Porque todo pasa: el coche que quería adelantarnos desde que salimos de casa, la necesidad de ir al baño en la primera media hora del viaje, la gasolinera de los bocadillos de tortilla de patata y el flotador que venía de regalo con los helados. Todo pasa. Pero siempre, siempre, queda la música. Porque cada recuerdo tiene un sonido asociado, un tema, un artista y un volumen determinados.

Y esas canciones quedarán, como diría Amaral, por encima de todas las cosas.

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Eterno Dani Martín: Sí, sí vuelve

El cantante madrileño triunfa en el Wizink Center en un homenaje a su banda El Canto del Loco

No sé si pensar si eres el ángel que cuida mi camino… No sé si pensar si merezco todo este cariño…”  Sonaban los primeros acordes de La suerte de mi vida, que, de pronto, parecía estar escrita y hecha para ese preciso instante, sin otra intención que para mirar a los ojos a sus miles de fans y cantársela, pero bajito, con sentimiento… Y así lo hizo. 

Un recorrido por toda una carrera, toda una vida de éxitos y de temas que te recuerdan a algo o a alguien. Canciones que han sonado una y otra vez en la radio, en el coche, en la ducha, en un karaoke, en tu top 3 de Spotify, de esas que cantas a todo pulmón. Porque así es Dani Martín, un donde sea y un cuando sea. El eterno cantante. Nuestro eterno cantante. 

Bajo una chaqueta en la que se podía leer: “Que caro es el tiempo” se escondía el mismo Dani Martín cercano que conocimos en El Canto del Loco, y que a día de hoy sigue siendo nuestro Dani. Dando nombre a su gira, la chaqueta lo transportó de un lado al otro del escenario, le hizo gritar, bailar y cantar como los mismísimos ángeles. Una multitud hambrienta, y con ganas de soltar aquello que durante tanto tiempo había reprimido. 

Sus mayores clásicos, entre los que se encuentran temas como Volverá, Una foto en blanco y negro, Son sueños, Ya nada volverá a ser como antes o Tal y como eres no tardaron en sonar. En forma de notas musicales, con una melodía que conocemos y unas letras que marcaron la adolescencia de algunos y la vida de muchos. Parecía como si El Canto del Loco y Dani Martín nunca hubiesen sido algo distinto entre sí, parecían la misma cosa, la misma energía, el mismo arte, la misma historia. 

¿Qué pasa con esas manos? Gritaba una y otra vez al mismo tiempo en el que el público no tardaba en captar su mensaje, y alzaban sus manos dejando una de las imágenes más bonitas de toda la noche. Quería sentir, sentir a un público que por culpa de una tal pandemia llevaba años sin sentir. Lo quería ahí y lo quería ahora. ¡Viva la música en directo! Gritó uno de ellos. Y qué razón tenía, señores. 

Su hermana, su eterna gran protagonista volvió a aparecer reencarnada en canciones como Como me gustaría contarte, la que el autor reconocía era una carta escrita para su hermana a la que decidió poner música. Sus padres, trazando casa una línea recta y directa desde el escenario fueron el héroe y la heroína del concierto, con los que no dudó en bromear en más de una ocasión. Una familia de fans que grababan con la esperanza de convertir su recuerdo en imborrable, inalterable y para nada efímero.

Insoportable fue la última canción del concierto. Y, ¿por qué está y no otra? Quizá porque Dani Martín se adelantó a lo que a muchos se les pasaría por la cabeza minutos después: qué insoportable era la idea de salir de allí, qué insoportable era dejar de escuchar aquellas canciones que tanto nos han marcado y que para tantos ahora constituyen todo un himno, qué insoportable se iba a hacer aquel final. El eterno Peter Pan que para nosotros no crece, y al que nunca jamás dejaremos de escuchar.

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Los clásicos de ahora: cómo se están versionando los temas de antes

Es lo que toca. Se acerca el uno de enero y empezamos a sentir ese cosquilleo de querer dar un giro a nuestra vida para el año que entra. Aunque sea solo de 90º.

Prepararnos para una maratón (o correr un poco más de lo que –no– lo hacíamos), empezar a ser puntuales o apadrinar un olivo se convierten en claros objetivos que respetar, y sobre todo que cumplir. Porque acaben sucediendo o no, esas cosas que pensamos hacer a partir de ese uno de enero se sienten importantes. Renovarse o morir, y buscar tutoriales sobre cómo empezar a meditar para llenar de tranquilidad y buenas vibraciones el nuevo año. Ni Cenicienta se tomaba tan en serio el cambio de 23:59 a 00:00. Podríamos decir que ese gusanillo de dejar todo lo antiguo atrás para abrazar solo lo nuevo también le pasa a la música.

Pero no. Porque tan catártico es cortarse el pelo al ras, como dejárselo largo y buscar tutoriales sobre cómo hacerse trenzas.

Pues bien, eso es lo que está haciendo el panorama musical actual: teñirse el pelo, intentar hacerse el moño desenfadado que nos trata de enseñar Instagram y raparse solo los lados. Pero siempre manteniendo su esencia. Tomar lo antiguo y hacerlo nuevo. Y haciéndolo bien.

Y es que las musas y musos de los artistas del pasado se han convertido en los de aquellos que ahora copan las listas actuales. Ya sea añadiendo sonidos, letra o versionando de una manera más dulce o explícita, las canciones que pertenecen a la época en la que eran nuestros padres los que elegían la música al cocinar, han vuelto.

Por eso, hoy traemos una lista con solo algunos de los temas que tienen la esencia de cassette del que solo funciona un altavoz y de CD cuya funda se ha perdido. Esas canciones que, sin embargo, hoy escuchamos con auriculares inalámbricos:

VIVIR ASÍ ES MORIR DE AMOR

Si por amor todos tenemos el alma herida, Camilo Sesto, en 1978, la tenía un poquito más. Y ahora también Nathy Peluso en 2021. El himno que nos trajo el alicantino y la canción por excelencia de cuando la fiesta está a punto de acabar para asegurar terminar por todo lo alto vuelve a sonar. Pero ahora, con Nathy Peluso. Y sí, sigue estando por todo lo alto.

La canción que te invita a abrazar automáticamente a quien la canta para ofrecerle tu apoyo por ese amor poco sano, ha sido adaptada por la cantante argentina. Y a lo que nos invita ahora es a bailar. Y a hacerlo de una manera un poco más urbana, más popera y más ochentera. Con los instrumentos como elemento esencial de esta versión, la orquesta se convierte en protagonista. Las trompetas y percusión nos ayudan a superar ese amor, y para cuando Nathy Peluso repite el estribillo, ya no nos acordamos ni del nombre de esa persona.

Y es que nadie mejor que Nathy Peluso podía darle tanta alma a una canción a la que ya de por sí le sobra sentimiento. La descubrimos con su jazz latino en La Sandunguera, hemos bailado bachata como si viniésemos de «Bailando con las estrellas» al escuchar su colaboración con C. Tangana en Ateo. Y ahora la cantante argentina ha puesto en mayúsculas uno de los temas que hacen que Camilo Sesto no necesite presentación.

Y es que VIVIR ASÍ ES MORIR DE AMOR cuenta ya con un videoclip futurista dirigido por ella misma, haciendo la viva representación de cómo todo lo que es un temazo, lo es. Independientemente de la época y del estilo.

 

HALLELUJAH

Si solamente pudiésemos sabernos dos canciones en el mundo, probablemente las elegidas serían Cumpleaños Feliz y Hallelujah. Y esta segunda un poquito más. Porque ambas son eternas, sí, pero Hallelujah es un tema que, simplemente, se siente especial.

Los que nos criamos con los Pokémon y los tazos tenemos más la imagen de Bon Jovi interpretándola que de su verdadero compositor: Leonard Cohen, en 1984. Sin embargo, el grupo estadounidense Pentatonix llegó en 2010 para traernos una versión del angelical tema de una forma que hace que parezca totalmente original, y nos la traen a capella. Es decir: los únicos instrumentos de los que hacen uso son sus propias voces. Bajos, ritmos constantes, esa nota de fondo de la que no nos damos cuenta pero que si para, queremos que vuelva… todo lo hacen ellos con su voz.

Y a pesar de que no es nada fácil hacer sentir, con cinco voces, la intimidad que tiene una sola voz frente al micrófono; ellos lo han conseguido. Y es por eso por lo que, desde 2016, esta versión se ha convertido en la primera opción de muchas personas cuando comienzan los primeros días de diciembre y el ambiente se convierte en uno que invita un poco más a agradecer, a volver al Burrito Sabanero y, sobre todo, a gritar «Aleluya».

 

HABANERA

Fue la pieza que más nos gustaba de la clase de música en primaria. Quizá porque no sonaba tanto a concierto serio proclive a salir en el examen final. Quizá porque podíamos sentir la picardía en cada palabra aunque no entendiésemos ninguna palabra en francés más allá de ese “l’amour”. Sea como fuere, La Habanera de la ópera «Carmen» de Bizet (1875) es un hit. Es un hecho.

Da igual cuando la escuchemos, la melodía de esas primeras notas solitarias se quedan en la mente para el resto del día. Y lo que la han convertido en eterna es, precisamente, que no queremos que salgan de ahí.

Pues bien, ahora la hemos vuelto a recordar, pero de la mano de L’haine, en 2020. El joven artista madrileño ha tomado esas notas, las ha hecho protagonistas aislando el resto de sonidos, y las ha hecho suyas. ¿Cómo? Añadiéndole un ritmo actual y constante en el que la letra también ha mantenido su esencia. Eso sí, cambiando de la ópera a lo urbano. Y qué bien suena.

La letra no es la misma, pero se sigue manteniendo ese sentimiento de que el amor no se elige. Y de que si se hace, probablemente o no sea amor, o no sea correspondido. Una reinterpretación de este artista emergente y que ya cuenta con más de dos millones de reproducciones en su perfil de Spotify.

Porque, a pesar de que pueda ser verdad que las segundas partes nunca fueron buenas, lo que los artistas actuales nos están demostrando es que lo que hacen va mucho más allá de una reinterpretación. Se trata de volver a hacer sentir, y de hacerlo mezclando la esencia de antes con la que estamos viviendo estos días. Son, los clásicos de ahora.

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Cultura Espectáculos de humor Espectáculos y teatro Monólogos y Humor

Pepa Rus: “La comedia nace cuando te empiezas a reír de tu propio drama”

Da igual comedia que drama: Pepa Rus lo hace todo y lo hace todo bien. En esta ocasión es el monólogo ‘Viva la Pepa’, el que pone en la palestra a la actriz. Una buena dosis de “risa y humanidad”, un papel hecho a medida y algún que otro golpe de suerte que nos harán complicado discernir entre lo real y la ficción. 

La historia de una madre soltera con dos hijas que se convierte en toda una heroína de la noche a la mañana, una Pepa que se enfrenta a la fama efímera, a unas promesas que nunca se cumplen y a una esperanzadora campaña política. Una función dirigida por Juan Luis Iborra que acaba de prorrogarse y que tendrá lugar en el Teatro Lara de Madrid.

Pregunta. ¿Qué tal va ‘Viva la Pepa’?

Respuesta. Estamos muy contentos, porque la verdad que está viniendo gente. Hemos prorrogado a enero y la verdad que es un personaje que me gusta mucho hacer, es un monólogo precioso y que da mucha vidilla.

P. Como experta en comedia, ¿crees que se puede hacer comedia de todo?

R. Sí. Yo creo que de todo se puede hablar desde la comedia, y no deja de tener importancia el mensaje, a veces pensamos que porque se lanza a través de la comedia deja de tener impacto en el público y, en mi opinión, es todo lo contrario.

P. Muchas veces la comedia no es otra cosa que reírse de las desgracias de uno.

R. La comedia es reírse del drama, y cuando te empiezas a reír de tu propio drama es cuando nace la comedia.

P. ¿Lo haces? ¿Te ríes de ti misma?

R. Pues es que no nos queda otra. Los problemas van a aparecer y mientras se puedan ir teniendo un tinte de humor mejor, se sale mejor del bache con un tinte de humor, excepto claro, de cosas que sean dramas sin nada más, pero a veces hacemos drama de cosas que, si estamos acostumbrados a vivir con sentido del humor, viviríamos mejor.

P. En el escenario no conoces la vergüenza pero, ¿y en tu vida diaria?

R. No. Es verdad que no soy nada introvertida, soy bastante abierta y cojo confianza rápido pero claro, no haría las cosas que hago a través de los personajes muchas veces.

P. ¿Qué diferencia hay entre la Pepa de los escenarios y la ficción y la Pepa real, la de su casa?

R. Primero que no tendría ningún interés en meterme en política. Segundo, que ella tiene una manera de vivir y de hablar muy natural, muy tierna y muy del presente, y a mi eso me gustaría aprenderlo del personaje y llevarlo a mi vida.

 

P. En una entrevista, afirmabas que: «(…) al final, por mucho que te muevas, hay algo que no te deja progresar por mucho que quieras si no tienes ese golpe de suerte». ¿Crees en la suerte? ¿Cuánto protagonismo crees que tiene la suerte en tu vida?

R. No es que crea, es que yo he tenido suerte. Puedes llamarlo suerte, azar, destino… Lo puedes llamar de muchas maneras. Pero al final yo creo que estar en el momento apropiado con la gente apropiada es importante. Y eso es una cuestión de suerte, porque tú no sabes lo que va a pasar.

P. Alguna vez te has sentido como la Pepa de tu monólogo, es decir, ¿alguna vez has sentido esa desazón, y de repente, un golpe de suerte llega y te cambia la vida?

R. Sí. Al final hay algo que te hace notar que todo se empieza a mover, que empieza a cambiar. Yo creo que esto es importante para seguir avanzando y evolucionando. Pero sí, tiene que haber esa gota de suerte que si no aparece, te hace mucho más difícil avanzar.

P. En más de una ocasión has comentado que esta obra es un traje a medida, ¿por qué?

R. Esto lo dice Juan Luis Iborra, que es el director y el autor junto a Sonia Gómez, y él lo dice porque se lo pedí. Somos amigos, hemos hecho varias funciones y a raíz de ahí nos hemos conocido, encajamos bastante bien y ya nos hicimos amigos. Un día comiendo, yo acababa de ver `Gibraltareña´ de Elisa Matilla, que la había escrito y dirigido él y, inconsciente de mi, le dije que me hiciera uno y me lo hizo. Por eso él dice que es un traje a medida, porque lo escribió pensando en mí.

P. Juan Luis Iborra menciona que esta obra es una crítica a la sociedad actual, en la que nos preocupamos de todo menos de los temas que realmente importan. ¿Es cierto esto? ¿Nos preocupamos de todo menos de lo importante?

R. Más bien creo que habla un poco de la fama efímera. El personaje critica esto a su manera, la idea de que al final nos centramos en algo muy externo a la sociedad, o incluso algo extraño, y realmente los problemas del día a día no se tienen tan en cuenta. Hace dos semanas no parábamos de hablar del récord histórico de la subida de la luz, y ahora nadie habla de que sigue subiendo la luz y hay gente que no puede pagarla, ahora el covid le ha ganado en popularidad, y aunque está muy bien y nos tienen que poner las pilas y tenemos que aprender, no podemos obviar que sigue subiendo la luz. Al final siempre hay una cosa ahí como del momento.

 

P. Y al hilo de lo anterior, ¿qué es para ti lo realmente importante?

R. Los derechos humanos. Al final, como todo el mundo eres superficial, y yo me centro en los problemas míos diarios pero, si te paras a pensar y a reflexionar un poquito y miras más allá de tu casa, hay mucho que solucionar.

P. Esta es la primera vez que te enfrentas sola al público. ¿Cómo está siendo la experiencia?

R. La primera vez que lo hice yo creía que me iba a dar un paro cardíaco, yo pensaba: y si se me olvida algo, ¿qué hago?, ¿a quién miro?, ¿quién me ayuda? Estas sola. Pasa mucho en las funciones, pero miras a tu compañero y aunque no se sepa tu texto sabe más o menos como ayudarte. Aquí no hay nadie y eso me daba pavor, y me lo sigue dando, de hecho repaso el texto como si no me lo supiera. Es el miedo más grande que tengo: equivocarme y no tener en quien apoyarme.

P. Uno de los temas de este monólogo es la fama. ¿Cómo se lleva esa parte cuando es real y la vives en tus propias carnes?

R. Es que eso tú no lo decides, aparece, por lo que sea. Lo curioso es cuando la gente te saluda y tú no sabes quien es, pero claro, tienes que ser amable porque entiendes que sí, que te conocen, aunque no lo hagan personalmente sí saben bastante de ti. Es algo muy raro que tiene su parte buena y su parte mala, como todo.

P. Para ti es proporcional, ¿cuánta más fama mejor te va?
R. Es verdad que hay muchísimos actores que no se conocen a nivel nacional que son muy buenos actores y no paran de trabajar. Pero al final yo creo que si haces algo internacional pues te van a conocer más y tu fama va a ser mayor, y va a ser un proyecto mucho más imponente que algo más pequeñito. No es que te vaya mejor a nivel personal, sino a nivel profesional. Yo creo que sí que va un poco más proporcionado.

P. Por último, ¿por qué nos recomendarías ir a ver `Viva la Pepa´?
R. Porque es una función donde te lo vas a pasar muy bien, donde la gente no para de reírse en una hora. También porque es un texto digno de escuchar, en el que se hablan de muchas cosas yo importantes. Es un suspiro de humanidad y de risa, por eso hay que verla.

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Cultura Especiales

Cinco mercados que no puedes perderte en Madrid

El concepto de mercado ha sufrido algunas transformaciones en los últimos tiempos. Han pasado a convertirse en modernos espacios gastronómicos donde no solo se pueden comprar los mejores productos, sino también disfrutar de experiencias culturales. Madrid cuenta con una variada oferta de mercados que suponen una propuesta alternativa que no puedes perderte. Desde Taquilla.com queremos enseñarte algunos de ellos.

Mercado de los Mostenses

Los mejores productos de china y latinoamérica se reúnen en este mercado, que ya es un referente de intercambio gastronómico en la capital. Ubicado en la Plaza Mostenses, en pleno centro, no llama la atención al verlo desde el exterior; pero basta con observar alguno de sus variados puestos para interesarse por este emblemático lugar.

Inaugurado en el año 1946, el Mercado de los Mostenses ha albergado varias generaciones consecutivas al cargo de sus tiendas. La diversidad cultural a causa de la migración en los años 90, impulsó el enriquecimiento culinario que se refleja hoy en los establecimientos que integran este recinto. Alimentos frescos típicos de la cocina peruana, china o ecuatoriana, ofertados en un mismo recinto y a un precio asequible son el sello de este mercado multicultural tan particular.

Dirección: Plaza Mostenses, 1, 28015 Madrid
Horario: de lunes a viernes de 9h a 14h y de 17h a 20h; los sábados de 9h a 14h.
Metro: Plaza de España, Santo Domingo

1

El huerto de Lucas

Otra propuesta alternativa para adquirir productos de alta calidad a precio asequible es El Huerto de Lucas; un mercado ecológico cuyo principal objetivo es el cuidado de la salud y el respeto al medio ambiente. Con más de 450 m² de extensión, este establecimiento ofrece todo tipo de productos orgánicos.

Entre los diferentes puestos encontramos frutería, pollería, carnicería al corte, panadería, tienda de producto seco con conservas o cereales al peso, ¡e incluso un centro de belleza! con tratamientos biosaludables. En el Huerto de Lucas, además de llenar el carrito de la compra, podemos disfrutar de la mejor cocina orgánica en la Cantina Ecológica del chef Javier Muñoz-Calero o llevarnos la comida a casa.

Dirección: Calle San Lucas, 13, 28004 Madrid
Horario: lunes y martes de 10h a 20h; de miércoles a sábado de 10h a 24h; domingos de 11h a 17h.
Metro: Chueca

2

Mercado de productores

La oferta cultural de Matadero Madrid se amplía una vez al mes con el Mercado de Productores. Este evento al aire libre cuenta también con un amplio abanico de productos ecológicos. ¿Su peculiaridad? Todos se elaboran en la comunidad de Madrid.

En cada edición, además, se programan talleres y actividades de catas. Más de medio centenar de ganaderos, agricultores y artesanos, con una cuidada atención personal al cliente, nos presentan sus embutidos, quesos, carnes, mermeladas o aceites, entre un sinfín de manjares. Además, algunos te cocinan los alimentos que hayas añadido a tu cesta de la compra o venden la comida ya preparada. Cualquier opción es buena en esta cita mensual con el Mercado de Productores.

Dirección: Matadero Madrid. Plaza de Legazpi, 8, 28045 Madrid
Horario: sábados de 11h a 19h; domingos de 11h a 17h.
Metro: Legazpi

Mercado de San Ildefonso

Esta zona de Fuencarral, con casi una veintena de puestos y casi 700m², apuesta por una distribución en tres plantas, cada una de ellas con una barra de bar. Con un jardín en el interior del segundo piso, el Mercado de San Ildefonso es un espacio único con un ambiente estupendo para disfrutar en tu tiempo libre.

El street market food de Malasaña ofrece gran variedad de productos seleccionados y bebidas de todo tipo. También organiza actividades, exposiciones, sesiones de fotografía ¡y hasta cooking shows! Además, para mayor comodidad de los clientes, dispone de aparcamiento en pleno centro.

Dirección: C/ Fuencarral 57, 28004 Madrid
Horario: de domingo a miércoles de 12h a 24h; de juéves a sábado de 13h a 1h.
Metro: Tribunal

3

Mercado de San Fernando

Y, por último, el Mercado de San Fernando. Tras varias remodelaciones necesarias, puesto que abrió sus puertas hace más de 70 años, se ha convertido en uno de las ofertas de ocio más completas. No solo cuenta con su variada propuesta gastronómica; sino que, además, podemos encontrar desde tiendas especializadas, libros al peso, talleres y espectáculos.

Dirección: Calle de Embajadores, 41, 28012 Madrid
Horario: lunes de 9h 14h y de 17h a 21h; de martes a jueves de 9h a 21h; viernes y sábado de 9h a 23h; domingos de 11h a 17h.
Metro: Embajadores, Lavapiés

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Cultura Espectáculos y teatro

Entrevista a Anna Castillo: «Transformar a las personas a través del teatro es un sueño hecho realidad»

Pasión y energía son dos adjetivos que definen perfectamente a Anna Castillo. Por la vida y por el teatro. Desde las actuaciones en el colegio cuando era una niña hasta su gran noche recibiendo el Goya a Mejor Actriz Revelación, la joven actriz ha vivido una carrera intensa tanto sobre las tablas como en la pequeña y gran pantalla. La dulce Dorita en Amar es para siempre, la cañera Susana Romero en La Llamada, la entrañable Alma en El Olivo y la enérgica Lucía en La Pilarcita son algunos de los personajes que han acompañado a la intérprete a la cima. Hoy en El Blog de Taquilla.com hablamos con Anna Castillo sobre sus proyectos, sus ilusiones y las claves de su éxito.

Tras triunfar con La Llamada, vuelves al Teatro Lara. Este lugar tan emblemático debe ser ya como tu segunda casa.

«Sí. Con La Llamada fueron tres años, así que para mí este lugar es muy especial. Me da un punto de seguridad volver a actuar aquí. Si fuera otro teatro quizá me daría un poco más de vértigo. Pero aquí siento que estoy en casa. Me hace mucha ilusión. No puedo compararlo con otros, porque no he trabajado en muchos más. Sin embargo, es verdad que al Teatro Lara le tengo un cariño especial desde el principio. Es una bombonera por la que ha pasado tanta gente… De hecho, el fantasma de Lola Membrives está por aquí y es una maravilla. Desde siempre me ha parecido un teatro muy romántico y bonito.»

Ahora vuelves con La Pilarcita. ¿Qué nos puedes contar sobre esta obra?

«La Pilarcita es una historia de tres mujeres que se encuentran en un pueblo de Extremadura durante el fin de semana en el que se celebra La Pilarcita. Es una santa a la que la gente lleva flores y muñecas y pide milagros. Hay dos chicas, Luisa y Lucía, que son del pueblo y regentan una casita para que la gente de la ciudad se hospede. De repente aparece Selva, que llega desde Madrid para hospedarse allí. Es la historia de estas tres mujeres, que están un poco perdidas y luchan por conseguir sus milagros con fe en que las cosa pueden cambiar e ir a mejor. Para mí es una historia sobre todo de fe y esperanza.»

 

La Pilarcita se estrenó en Buenos Aires de la mano de María Marull y ha triunfado. ¿Cómo ha sido el proceso de importación y adaptación?

«Ha habido cambios principalmente en el texto, ya que estaba escrito en argentino. Chema Tena, el director, cambió el textó al español. Aunque de vez en cuando encontramos algo que sigue sonando raro y lo cambiamos. La historia es la misma, está intacta. La Pilarcita es una celebración que no existe en España. Es una santa pagana de un pueblo de Corrientes, en el interior de Argentina. La hemos trasladado tal cual, como si estuviese aquí.»

Interpretas el papel de Lucía, una joven del pueblo. ¿Cómo te has preparado para meterte en la piel de este personaje?¿Qué tiene Lucía de Anna y con qué se queda Anna de Lucía?

«El proceso ha sido curioso, porque esta historia está bien contada cuando encuentras el equilibrio entre las tres actrices. Para ello, hemos pasado por varios puntos. Lucía es una chica con mucha vitalidad, energía y unas inmensas ganas de vivir. A la vez es inocente y carismática. Su ilusión por la vida es desbordante y quiere tener experiencias nuevas sin renunciar a su pureza y bondad. Lo que compartimos es que ambas somos chicas muy enérgicas y con muchas ganas de vivir. Ella es más inocente, más buena y más pura que yo, por sus circunstancias. Lucía me parece un personaje totalmente admirable.»

Debutaste con La Llamada en la sala principal. Ahora con La Pilarcita estáis en la sala Lola Membrives. ¿Cómo vives este cambio? ¿Qué tiene de especial?

«A mí me encanta, me parece que es precioso. El otro día ensayamos La Pilarcita en en la sala grande y pensé que era mejor esta. Es verdad que el hecho de tener al público tan cerca da vértigo y añade responsabilidad y nervios. Aquí no hay trucos. Ellos están ahí contigo, como si formasen parte de la historia. Parece que si estás en lo alto del escenario impone menos actuar. Al menos a mí me parece que aunque exige mucha más responsabilidad, el hecho de tener a la gente tan cerca es muy bonito

 

 

A parte del teatro, hemos podido verte en series de televisión y películas. Cada formato tiene su técnica, pero ¿tienes alguno favorito?

«No tengo ninguno favorito. Al fin y al cabo, a mi me gusta currar, me gusta mi trabajo y hacer personajes bonitos. Me es indiferente el formato. Es verdad que cada uno tiene sus cosas. El teatro es lo que más responsabilidad y compromiso exige. Para mí es lo más difícil y sacrificado, ya que tienes que poner el alma en ello. Estás sola en el escenario y debes estar comprometida con ello al cien por cien pero, por otro lado, te mantiene en forma. Te da tablas. Es una forma de entrenarte constantemente. En el cine y la televisión lo guay es que formas parte de un equipo en el que te pones en manos de un director, un montador, un sonidista… y al final, entre todos, creáis una pieza. Es más fácil porque te apoyas en tus compañeros. Todo tiene sus cosas buenas.»

Hablando de cine, ¿cómo le cambia la vida a la ganadora del Premio Goya a la Mejor Actriz Revelación?

«De momento todo sigue igual. Lo único que ha pasado es que ahora tengo un poco más de visibilidad. Estoy un poco más expuesta, pero no ha cambiado nada. Esa noche fue un subidón. Lo recuerdo como si lo hubiese soñado. Fue una noche divertida y llena de ilusión, pero enseguida me bajé de la nube. Sigo currando mucho, como estaba haciendo antes. Solo espero que el Goya sea, en algún momento, el aval de confianza para que pueda seguir trabajando sin parar.»

Has vivido una intensa carrera hasta llegar a ese momento. Comenzaste desde muy pequeña en el mundo de la interpretación, en un momento en el que el ser productivo prima sobre hacer lo que uno ama. ¿Ha sido un camino fácil?

    «Tuve el privilegio de empezar a actuar muy pronto y la suerte de tener unos padres que me apoyaban mucho. Me veían muy feliz haciendo obras del teatro en el colegio o haciendo el idiota. Desde muy pequeña empecé a compaginar pequeños trabajos que me salían con los estudios. Hasta que no me vi dedicándome a esto no dejé de estudiar. Llegué hasta tercero de psicología. Comencé la carrera a distancia para poder compaginarlo con los posibles trabajos de actriz que me saliesen. Llegó un momento en que vine a Madrid a trabajar en una serie diaria y La Llamada a la vez y vi que necesitaba dedicarme enteramente a ello.»

 

 

Te fue bien, entonces…

«Desde ese momento, gracias a Dios, he ido enlazando un trabajo con otro. Obviamente, hay momentos con más y otros con menos, pero no he parado y eso es una suerte muy grande. No sé si seguirá siendo así, ya que soy consciente de que todas las carreras tienen parones. Sé que forma parte del plan, porque la carrera de actriz es así, pero espero llevarlo lo mejor posible.»

Tanto en La Llamada como en La Pilarcita se transmiten mensajes tan importantes como la aceptación de uno mismo o la persecución de los sueños. ¿Cuál crees que es el papel del teatro respecto a esto?

«La experiencia que he tenido con la Llamada ha sido emocionante. Yo, como actriz, intento mandar un mensaje, pero a cada uno le cala de una forma distinta. Si alguien viene a ver una comedia, quiero que se lo pase bien. Si viene a ver un drama, quiero que se emocione. No puedo esperar más allá. Sin embargo, con La Llamada he tenido la experiencia de que a algunas personas les ha cambiado la vida. Les llegó tanto el mensaje que fueron un poco más felices con ellos mismos. Conseguir eso es una pasada, un sueño hecho realidad.»

¿Crees que será igual con La Pilarcita?

«Con la Pilarcita, si le pasa a alguien, nos hará muy felices. Creo que el papel del teatro, más allá de disfrutar el momento, es que cada uno salga transformado de la función. Aunque sea un par de días, que algo cambie en sus vidas. Si pasa esto, ya habrá valido la pena.»

Fuera de los escenarios también eres un referente para muchos jóvenes, sobre todo ahora con las redes sociales. ¿Cómo lo llevas?

«No lo pienso, porque no quiero ser el referente de nadie. No quiero esa responsabilidad. Evidentemente siempre tienes referentes. Yo misma cuando era adolescente los tenía y ahora también. Pero yo no asumo ese papel, porque no me considero referente de nadie ni pretendo serlo. En mis redes sociales intento enseñar cómo soy, ser lo más natural posible, ser consecuente con lo que digo y lo que hago. Si a alguien le gusta y quiere seguirme, genial.»

 

 

De cara al futuro, ¿se te plantean nuevos proyectos o vas a centrarte en todo lo que tienes abierto ahora?

«Ahora mismo estoy rodando una serie de televisión “Estoy vivo”. Es un proyecto de Globomedia para TVE. Un thriller con toques fantásticos muy guay, en el que formamos el reparto Javi Gutiérrez, Cristina Plaza, Roberto Álamo, yo… La verdad es que es un proyecto genial y estaré con él hasta noviembre. También a tope con La Pilarcita y para el próximo año vienen cosas nuevas, pero de momento está todo en el aire.»

¿Cómo es trabajar con actores que antes fueron grandes referentes para tí?

«Lo siguen siendo. Por ejemplo, estoy trabajando con Javi (Gutiérrez), con quien ya estuve en El Olivo y creo que una vez superada la barrera de la admiración lo bueno es relajarte y aprender mucho de ellos. Con él me pasó esto. Me da unos consejos buenísimos y escuchar todo lo que me quiere transmitir es clave para mí. Estoy feliz por aprender de los mejores.»

También queda muy poco para el estreno de la película de la Llamada. ¿Cómo ha sido el proceso de lleva al Campamento La Brújula delante de las cámaras?

«Para nosotros que llevamos tanto tiempo dentro de esta historia es un regalazo poder dar este paso. Después de tres años dedicando nuestras vidas a esta historia fascinante, mis compañeras, los Javis (Ambrossi y Calvo) y todo el equipo estamos muy felices por esta oportunidad. Yo llevaba tres años intepretando a Susana Romero sobre el escenario, pero solo podía enseñar de ella lo que estaba escrito en el guión. De repente, lo pasamos al cine y puedo mostrar cosas que había pensado, pero que nadie había visto. Lo mejor de la película es que puedes ver a todos los personajes en profundidad. En el teatro les conoces, pero la película te da una nueva dimensión. Creo que se vive de forma mucho más íntima, más emocionante. Entonces, para mí y para mi personaje es un auténtico regalo. Estoy muy orgullosa de que hayamos conseguido esto, porque es una muestra de que con fe y trabajo puedes llegar muy lejos.»

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Especiales Turismo

6 rutas turísticas para redescubrir Toledo

 

Toledo es una de esas ciudades en las que solo el hecho de caminar por sus calles es una experiencia enriquecedora y placentera. Un lugar donde se respira historia por todos los rincones en los que, a lo largo de los siglos, han vivido y convivido las culturas judía, cristiana e musulmana. Una aleación cuyo resultado ha sido una ciudad llena de encanto y plagada de símbolos, magia y leyendas. Para facilitar y, sobre todo, hacer más amena la visita a la capital manchega te traemos una serie de rutas que harán que redescubras la ciudad.

LA CIUDAD EMBLEMÁTICA DEL GRECO

El legado que dejó El Greco en Toledo, desde que llegó en 1557 para desarrollar gran parte de su obra hasta su muerte, se ha convertido en uno de los principales atractivos turísticos de la ciudad. Los turistas y amantes del arte tienen un amplio abanico de posibilidades para disfrutar de la huella del pintor, que no solo se expone en museos, sino que cuenta con lugares emblemáticos, como su antigua casa donde vivió y trabajó. Una verdadera ruta por el Toledo del Greco

Para llegar a comprender su obra es necesario conocer los secretos vivencias y anécdotas que influyeron en el pintor. Por ello, es imprescindible visitar el Museo del Greco, el único dedicado exclusivamente a su obra y dar a conocer todo lo que rodea a la figura del pintor. Sin embargo, no debemos olvidar otros lugares donde podemos encontrar otros cuadros como la Catedral, el Museo de Santa Cruz, el Convento de Santo Domingo y el Hospital de Tavera. Sin olvidarnos, por supuesto, de la Iglesia de Santo Tomé, donde está expuesta una de las obras más importantes del Greco “El entierro del Conde Orgaz”.

Ruta Greco
 

EL BARRIO JUDÍO: UNA CIUDAD DENTRO DE OTRA

Pasear por la judería de Toledo es una actividad imprescindible para cualquier visitante. Casi podría decirse que es una ciudad dentro de otra, ya que mientras la recorres te trasladas siglos atrás y puedes llegar a imaginar cómo era la vida allí. En la Plaza del Salvador comienza un viaje por sus empinadas y laberínticas calles, señalizado por un rótulo en castellano, inglés y hebreo en el que indica el inicio de la judería.

Las visitas indispensables son: la Sinagoga de Santa María la Blanca, que data del siglo XIII y es un fiel reflejo de la arquitectura mudéjar y en la que se pueden apreciar las transformaciones a Templo Cristiano que se realizaron tras la expulsión de los judíos en 1492; y la Sinagoga del Tránsito, que alberga el Museo Sefardí. El interés de este edificio reside en ser la única sinagoga del siglo XIV, por lo que se puede observar una interesante mezcla de estilos como son el gótico, el islámico y el judío. El museo se creó en 1964 y abarca el legado hispanojudío y sefardí, y se encarga de su conservación y exposición.

No obstante, parte del encanto de la judería reside en perderse por sus callejones e intentar encontrar las huellas del pasado. Por ejemplo: la Plaza de San Antonio, donde se ubicaba el antiguo zoco o mercado, la réplica del Arquillo del Judío o la Bajada de Santa Ana, donde todavía se conserva parte de la muralla que delimitaba el barrio judío.

Ruta judería
 

OLVIDA EL HOTEL Y VIVE UNA NOCHE DIFERENTE

La noche no está pensada solo para dormir. Por ello, en Toledo han querido aprovechar al máximo las horas del día y cada vez son más los turistas que optan por las rutas nocturnas que ofrece la ciudad.

Un recorrido por los lugares en los que mitos y leyendas se mezclan con hechos históricos que marcaron un antes y un después de la ciudad. Pasea por las mismas calles por las que lo hacían los miembros de la Orden del Temple, descubre los ritos y símbolos que unen lo terrenal con lo divino y descubre qué es lo que inspiró artistas de la talla de Buñuel, Dalí o Lorca.

 

LOS SECRETOS DE LA CIUDAD

La historia y la belleza se unen en esta ruta por los secretos mejor guardados de Toledo. Un recorrido por diversos barrios para rememorar las distintas épocas que se han ido sucediendo y sus acontecimientos y anécdotas más curiosas e interesantes, narradas por guías expertos que no te dejarán indiferente.

UNA MIRADA DIFERENTE

En ocasiones, por circunstancias diversas visitamos alguna ciudad varias veces. Si hablamos de Toledo, siempre hay algo nuevo que descubrir. Para ello existe la ruta Toledo: olvida todo lo que te han contado , en la que el arqueólogo e historiador Óscar Blázquez, ilustra a los visitantes con rincones desconocidos y curiosas anécdotas, sobre todo centrados en la época de convivencia entre las tres culturas que han habitado la ciudad a lo largo de la historia: cristianos, judíos y musulmanes.

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TOLEDO BAJO TUS PIES

En nuestra visita a Toledo no podemos olvidar el subsuelo. Sí, las zonas subterráneas de la ciudad son un atractivo turístico más para los visitantes y existe una ruta para no perdérselo. Desde los sótanos de la casa del Greco, el Alcázar, el Convento de San Clemente y el Palacio de Frensolida, hasta la Cueva de Hércules, que alberga una famosa leyenda.

Otras visitas subterráneas interesantes son: el Pozo del Salvador, cuyo interés reside en que a día de hoy todavía contiene agua; el sótano de la Casa del Judío, que se cree que era una estancia para los baños litúrgicos de purificación para acontecimientos importantes de la vida judía; las Termas Romanas; y los Baños árabes del Cenizal y Caballel.

Ruta subterránea
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Espectáculos y teatro

Fiesta del Cine 2016

Vuelven las mejores películas a 2,90€ con la décima edición de la Fiesta del Cine. Tras el éxito de años anteriores, en los que se llegó a superar los dos millones de asistentes, este 2016 tendrá lugar los días 9, 10 y 11 de mayo en más de 3.000 salas de toda España.

El funcionamiento del evento será el mismo que en ediciones pasadas; tan solo será necesario rellenar el formulario en la web y llevarlo a la entrada de la sala. Para los espectadores de menos de 14 años y para aquellos que superen los 60, no será necesaria la acreditación; podrán disfrutar de la promoción mostrando el DNI en la taquilla del cine.

La Fiesta del Cine mantiene también la amplia variedad de canales de venta para esta ocasión; las entradas pueden ser adquiridas en las taquilla físicas, en los cajeros de tickets o a través de Internet. En cualquiera de los casos, será necesario presentar la documentación al llegar a las instalaciones. Además, puedes consultar las salas en las que estará disponible la oferta aquí.

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La organización del evento se ha llevado a cabo por la Federación de Asociaciones de Productores Audiovisuales Españoles (FAPAE), dedicada al fomento del crecimiento del sector; la Federación de Distribuidores Cinematográficos (FEDICINE), formada por distribuidoras de la talla de Hispano Foxfilms, Paramount Pictures Spain, Walt Disney Studios Motion Pictures Spain o Warner Bros; la Federación de Cines de España (FECE); y el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales (ICAA), vinculado al Ministerio de Cultura.

¿El objetivo de la Fiesta del Cine? Incrementar la asistencia a las salas de cine y establecerla como una práctica habitual en nuestra sociedad para que el público pueda disfrutar de las mejores películas en la pantalla grande. En esta ocasión, la cartelera está plagada de obras protagonizadas por reputados actores como Daniel Radcliffe, Charlize Theron, Robert Downey Jr, Ben Affleck o Maggie Smith.

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Si aún no has decidido qué es lo que quieres ver, la página web del evento te ofrece un listado de las películas que estarán emitiéndose durante estos tres días y una pequeña descripción de ellas. Desde Taquilla.com te facilitamos el enlace a la cartelera. No pierdas la ocasión de conseguir las entradas al mejor precio y disfruta de tus películas preferidas.

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Especiales

WOMAD Cáceres 2016; el 25 aniversario

El Festival WOMAD de Cáceres celebra su 25 aniversario del 5 al 8 de mayo de 2016. Esta edición contará con un tercer escenario dedicado a ocho bandas extremeñas emergentes, además de los dos habituales. También se mantendrán los mercados y actividades al aire libre que caracterizan este evento cultural que ya se ha consolidado con su público de decenas de miles de personas.

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Womad Cáceres 2016

A pesar de haber sufrido pequeñas modificaciones a lo largo de su historia y haberse encontrado con diversos obstáculos, el espectáculo ha continuado hasta la actualidad. Tras 25 años de vida en Cáceres, el Festival WOMAD vuelve con esta edición tan especial. Este año 2016 se celebrará del día 5 al 8 de mayo, después de haber recibido el apoyo de La Junta de Extremadura, el Ayuntamiento y la Diputación de Cáceres.

Las actividades, los talleres, el ciclo de cine de la Filmoteca, los mercados  y las Cocinas del Mundo que se ubican en el casco histórico de la ciudad son solo algunos de los clásicos que hacen tan culturalmente rico este festival gratuito.

Como ya es habitual, se instalará un escenario en la Plaza Mayor y otro en la Plaza de San Jorge. Pero, en esta ocasión, el evento contará con un tercero ubicado en Santa María; que estará dedicado a las actuaciones de jóvenes bandas extremeñas que dan sus primeros pasos. Los afortunados ya están confirmados: Celda 47, Cochera Suite, El Gen de Ayla, Lorkan, Noxfilia, Rui Díaz y La Banda Imposible, The Jeiters y Tamara Muñoz.

También se saben ya los artistas que ocuparán el resto de escenarios: Altas Horas, Manuel Alienígena y Eysa inaugurarán esta vigésimo quinta edición, y les seguirán Bambikina, Mercedes Peón, Descalzas, la israelí Ester Rada, Dr. Olmedo, Mujer Cocodrilo, Asian Dub Foundation, Argentina, la banda japonesa Osaka Monaurail, Orange Blossom y el Niño de Elche.

Otra novedad que hay que destacar es la aplicación móvil Womad Cáceres. Fue creada en 2015 debido a la necesitad de mantener informado al creciente público del evento,  y ya el año pasado contó con miles de descargas. Los usuarios podrán tener toda la información actualizada sobre el festival, organizada en categorías como Ahora, Agenda, Grupos o Ubicaciones.

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¿Qué el el Womad?

Tal y como indican sus siglas, el World Of Music, Arts & Dance es un festival cultural internacional dedicado al fomento del arte en general. El evento varía en función de la edición y el lugar donde se celebre, pero la base del proyecto es común; mostrar la diversidad de la sociedad y promover el enriquecimiento y la multiculturalidad.

Los festivales cuentan con la colaboración de artistas de todos los rincones del mundo. En tan solo un fin de semana y distribuidos en diferentes escenarios, nos brindan la oportunidad de conocer la pluralidad musical en directo. Además de los conciertos, WOMAD cuenta con talleres y actividades para todas las edades, entre las que se incluyen batucadas o clases de baile.

En España, se celebra en la ciudad de Cáceres desde el año 1992 y en Las Palmas de Gran Canaria, desde 1993.

Historia

El World of Music, Arts & Dance nació de la idea de Peter Gabriel en los 80, a partir de la cual comenzaron a organizarse los festivales en todos los rincones del planeta. Gracias al éxito obtenido y la reputación que se creó, este evento internacional aún se mantiene, descubriendo nuevos artistas y con la asistencia de un público de millones de personas que comparten un mismo idioma: la música.

Los primeros países en acoger estas actuaciones fueron Dinamarca y Canadá, a los que pronto se sumaron Australia, Estados Unidos, Japón, España y Reino Unido. WOMAD no solo mezcla estilos musicales; sino también países, culturas y, en definitiva, personas.

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Espectáculos y teatro

‘El nombre’: Una comedia de éxito en Teatro Maravillas

 

«Nombres, comedia y comida» afirmaba en una entrevista el director teatral Gabriel Olivares para explicar qué iba a encontrarse el público de ‘El nombre‘, la obra que él mismo dirige desde abril en el Teatro Maravillas de Madrid y que, consiguiendo que los espectadores se identifiquen fácilmente con los personajes. Hasta finales de septiembre hay un descuento en las entradas para ‘El nombre’ en Teatro Maravillas de Madrid a través de Taquilla.com.

 

El barcelonés y dramaturgo Jordi Garcelán decidió adapatar esta comedia francesa de Mathieu Delaporte y de Alexandre de la Patiere, ‘Le Prénom‘, que triunfó desde su estreno en los teatros parisinos, llevando incluso a producir un largometraje que consiguió semejante éxito en toda Europa.

 

Esta fantástica obra comienza con un vanal debate familiar sobre el nombre del bebé que esperan Vicente y Ana cuando estos llegan a casa de la hermana del futuro papá, Isabel, y de su marido Pedro, donde también está Carlos, su amigo de la infancia. Pero es precisamente este debate que aparentemente carece de importancia el que desencadena varios conflictos que sacan desde trapos sucios y frustraciones de años, hasta una relación que había permanecido secreta durante largo tiempo.

 

Amparo Larrañaga, Jorge Bosch, Antonio Molero, César Camino y Kira Miró son los cinco actores que se encargan de hacer realidad esta comedia que muestra el comportamiento humano dentro de una familia, y que de manera cercana hace que fácilmente cualquier persona sienta que ha podido pasar por una situación similar.

 

Y es quizás esta fácil identificación con los actores y su calidad, la causa de que en España se mantenga el ritmo arrasador que la obra llevó en París, ya que se estrenó el pasado abril y seguirá en la agenda al menos hasta enero del próximo año.

 


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Espectáculos y teatro

Tercera temporada de Burundanga en Teatro Lara de Madrid

 

Un tema trágico como el terrorismo y que tristemente afecta a bastas cantidades de personas… y hecho comedia. Se trata de «Burundanga. El final de una banda», una obra de teatro del dramaturgo Jordi Garcelán dirigida por Gabriel Olivares, que se estrenó en 2011 y que mantiene el éxito tan arrollador como si de las primeras semanas se tratase.

 

A simple vista, la obra puede parecer una comedia romántica que cuenta la historia de una pareja que sólo quiere ser feliz, pero poco a poco se descubre que el final de ETA, una herida de la sociedad española que nadie antes se había atrevido a tratar de este modo, es temática clave en esta pieza teatral.

 

Berta se ha quedado embarazada de su novio Manel, pero no se ha atrevido a decírselo porque ni siquiera sabe si la quiere. La solución se la da su amiga y compañera de piso, Silvia, quien le propone que le suministre cierta cantidad de burundanga, una droga que hace perder la voluntad y que provoca la más profunda sinceridad. Berta, convencida, le da a su novio esta sustancia y descubre no solo que sí la quiere, sino también que forma parte de la banda ETA.

 

Mar Abascal, Eloy Arenas, Bart Santana, Mar del Hoyo y Fran Nortes son los actores que se encargan de dar vida a esta obra de teatro que se encuentra en su tercera temporada y que ya ha tenido más de 250.000 espectadores, quizá porque Garcelán ha cumplido con su objetivo de no ofender a nadie y de entretener al público de la manera más exitosa y entretenida.

 

Burundanga. El fin de una banda, permanecerá en la cartelera del Teatro Lara de Madrid hasta, al menos, marzo del próximo año, en varias sesiones de martes a domingo. Taquilla.com tiene a la venta de entradas para Burundanga.